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更新时间：2024-11-22 10:33:33 发布时间：24小时内 作者：文/会员上传 下载docx
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一、关于平面设计与展览展示的概述
（一）平面设计平面设计是属于对二维空间设计的一个描述，平面设计需要利用视觉元素来传播设计人员思想，用相关文字和基本图形把所要表达的信息传达给大众，让人们通过这些形象生动的视觉元素来了解设计人员的设计目的和思想，同时平面设计通过对二维平面的构思和加工，使其可以准确的表达出画面的内在含义。
（二）展览展示展览展示是设计组成的一部分，同时也是展览工作的重要组成部分。展览展示是属于对三维空间设计的一个描述，它通过利用展架、道具以及装饰等物品来进行对展台的设计，通过新颖的展览展示可以反映参展企业的形象，给参观者留下极为深刻的第一印象，促使参观者进一步的了解相关产品特性。
二、关于平面设计与展览展示的密切关系
（一）平面设计是展览展示的基础平面设计是属于一个二维空间类型的设计，它属于现代美学的设计基础。设计人员通过将一些不同的基本图形，按照一定的规则在平面上组合成相应的图案。同时设计人员可以通过一些简单的笔触勾画或者是进行相应的简单的电脑操作，利用各种美术技巧进行平面设计。而展览展示是属于一个三维空间类型的设计，它是基于二维空间的设计基础，通过在相关方面利用有关的平面设计图或者是有关的平面设计技巧来进一步设计展览展示，并且利用平面设计上的“捕捉美感、表达意象与企图”的设计理念来从事有关展览展示的设计，所以说平面设计是展览展示的基础，相关设计人员要加强有关平面设计方面的学习和利用，这样利用平面设计来促进展览展示的发展。
（二）展览展示可以促进平面设计的发展展览展示是一个多维度的空间设计，它通过利用展架、道具以及装饰等物品来通过布局、照明、色彩、图表等进行对展台与展会的设计，通过形象、新颖、生动的设计来使参观者进一步的了解有关展品的特性，最终达到宣传相关展品或者是营销相关展品的目的。在进行有关展览展示的设计时，通过对色彩对比的利用，形成强烈的视觉元素效果，这样有利于促进相关平面设计的发展，尤其是在相关色彩上的运用，通过进行色彩鲜明的对比，进一步的加强平面设计的色彩设计。同时在展览展示的设计中常常会用到一些相关的灯光照明，通过灯光照明的明暗对比可以促进平面设计的发展，加强在不同情况下光线明暗运用的对比情况，促进平面设计在光线运用方面的发展。所以相关设计人员要加强有关展览展示方面的设计，通过利用展览展示设计来促进平面设计在相关方面的发展。
（三）平面设计与展览展示是相互促进、相互发展平面设计虽然相对于展览展示来说，在某些方面具有一定的单一性，但是平面设计与展览展示都属于设计中的一种，而设计就是指一种有目的、有规划的设计活动，所以说平面设计与展览展示都是在进行有目的、有规划的设计活动。当平面设计的目的与展览展示的目的相同时，便可以将二者有机的结合起来，同时发挥出平面设计与展览展示的各自的优势，将这些优势相互叠加，相互融合，使其碰撞出新的艺术火花，方便其更好的服务于相关展品或展会，同时在相关设计方面上，平面设计与展览展示可以在色彩的运用或者是光线或灯光的明暗对比上进行相互促进、相互发展，最终促进平面设计与展览展示的共同发展。
三、具体案例分析
案例1：利用蓝色和白色在色彩上的对比，着重突出公司的名城称，同时在展览展示上以干净简约为主调，给参观者营造出一种整洁、温馨的家园之感，同时在该展台的平面设计与展览展示的主色调都是以白色和蓝色为主，给人营造出一种干净可靠之感，有利于该公司医疗产品的营销，同时该展会利用绿色植物等道具与白色墙壁的平面设计相结合，给人营造出一种健康，生命力的感觉，有利于该医疗公司的医疗产品营销。
案例2：这张照片的墙面通过以平面设计的形式，利用简单的勾勒和描绘便将上世纪中国人生活的环境展现出来，同时通过展览展示的方式，利用一些上世纪常在中国家庭里见到的一些家具，例如缝纫机、黑白电视、单门冰箱和木质沙发等，形象生动的向参观者展示了上个世纪普通中国人的生活场景。利用简单的平面设计和相关展览展示的道具相结合，便可以向参观者起到相关的宣传效果。
四、结果
随着经济政治的不断发展，人民的物质消费水平不断提高，使人们的精神文化需求也在不断提高。所以为了更好的帮助企业或者相关单位营销其展品，相关设计人员更应该利用关于平面设计与展览展示的密切关系，来加强在展会设计的同时运用相关平面设计与展览展示方面的知识，使二者进行尽情的沟通，碰撞出艺术的火花，更好的服务于展品的宣传与营销。所以相关设计人员在进行相关艺术创作时，要尽量将平面设计加入到展览展示当中，使画面变得更加和谐。
一、展示设计中的色彩
可以说，展示色彩是展示形式中比较重要的一个表达元素，它能够借助色彩的对比和调节作用来营造完美的展示氛围，有利于观众在特定的展示氛围内获得对展品以及展示空间良好的视觉反应和心理感受。此外，合理的色彩展示还能够起到良好的指示性和导向性作用，具有较强的识别性，这对于一些参展的企业来说是大有益处的。因此，现代展示空间要学会合理地利用和搭配展示色彩，要对展示色彩的具体构成有所了解，这样才能为展示设计增光添彩，才能满足自身以及受众的双重需求。具体而言，展示色彩主要由空间界面色彩、展具色彩以及照明色彩三方面有机结合而成，其详细分析如下：其一，空间界面色彩。空间界面色彩是指吊顶、墙面以及地面的色彩，它们通常作为背景来衬托展品，以构造出独特的色彩氛围。一般而言，空间界面色彩既可以选择与展示主题同调的色彩，也可以采用色彩比较淡雅的中性色调，并要根据具体的展示需要对展示色彩的色调以及色块面积进行调整，以获得和谐的视觉效果。例如，商场里儿童区的地面、墙面以及吊顶等空间界面多采用鲜艳、明亮的颜色，这符合儿童的审美观点，有利于吸引受众的注意力。其二，展具色彩。在现代空间展示中，展具是展品的直接承载物，它的色彩对展品的呈现起着直接的衬托作用。一方面，展具色彩可以与展厅背景色彩保持协调统一；另一方面，其也可以与背景色彩形成对比，以营造出鲜明的视觉中心。例如，博物馆陈列品的展具色彩一般采用和白色背景墙相一致的乳白色或是浅米色等色彩，既简洁大方，又迎合了展览需要。其三，照明色彩。随着现代科学技术的发展，照明色彩赋予了整体展示空间强大的表现力，其光色结合的影像效果能够瞬间提升展品的柔和曼妙性，对受众视觉起着间接的影响作用。例如，中国电影博物馆中央圆厅的照明色彩就极具特色，其选用了不断变化的多种色彩，打造了一种华美鲜艳的灯光效果，能让受众在游览的过程中不断收获惊喜。
二、展示设计中的版面
除空间和色彩外，版面也是展示设计的主要形式语言之一，是体现展示效果的重要构成部分，也是展示传达的一个重要载体。与平面设计中的版面不同，展示设计中的版面不仅仅包含点、线、面等构成要素，而且还包括了形体、材质、空间表现手法以及版面组合等其他元素，同时还更加强调版面构成要素的完整性和统一性。一般而言，版面设计由展板、展墙等立体界面构成，上面可以放置组版、文字、图片图表、版面装饰图案等元素，这样既可以为受众提供多种形态的展示造型，又可以利用不同的展面内容将大的展示空间分隔为不同的小空间，从而丰富了现代展示空间的内容。经过大量的实践研究和资料阅读，笔者在此从“文字”以及“装饰图案”这两个方面对现代展示空间形式中的版面语言做一论述。其一，展示版面中的文字。文字是现代展示空间设计中信息传达的直接载体，每一个展示空间或多或少都会有文字的存在，甚至有的展厅就直接大范围地采用了纯文字形态，其中书写流畅、简单、优雅的英文字体更是得到了广大设计师的青睐。但值得注意的是，在将文字应用到整个展示空间的过程中要做到风格统一、层次分明、主次有序、规整有序。如在对历史文化博物馆这种类型的展示空间进行版面设计的时候，就要充分考虑到历史文化博物馆的展馆性质以及展览内容，此时就不适宜采用英文字体，而比较适合采用一些甲骨文、小篆、隶书、楷书、行书等极具中国特色的文字，以契合该展示空间的主题和内容。其二，展示版面中的装饰。现代展示空间中的版面装饰主要是利用线条、图案、色块、纹样等绘制而成的墙画、板画、题花、尾花等，以此来衬托展示空间，起到装饰、美化展示空间的艺术效果。通常而言，现代展示空间所占的面积较大，因而空白的墙面、展墙、展板等出现的频率也就多一些，设计师因此在这些版面上会绘制出大量的装饰图案，这一方面缓解了展示空间的空洞性、冰冷性；另一方面也是对现代展示空间内容的补充，是展示空间不可或缺的一部分。例如，20_年上海世博会波兰馆的外墙就铺满了波兰民间传统剪纸的镂空花纹，整个展示空间看上去就像一幅立体的民间剪纸，版面设计中这种图案纹样的应用不仅吸引了游客的驻足停留，而且还将波兰的民俗风情演绎得淋漓尽致，可谓一举多得。
三、结语
综上所述，现代展示空间设计是一个复杂的体系，需要借助多种形式语言的交叉和融合，才能够实现展示内容的完美呈现。作为一名现代展示空间设计师，我们要合理利用设计形式法则，不断更新设计理念和技术表现手段，以便更好地促进现代展示空间的创新发展。
1展示设计中的美学问题
身体体验的意象美
现代展示设计一般以观众的直接审美体验来观赏一定的陈列展示作品，所以在一定程度上都有一些美感乃至美学问题的产生。信息技术在现在更多地就是交流传递方式的改变，所以造成了人们交流方式的变革。当今许多艺术家把交流作为自己工作的目的，声称自己是交流艺术家，然而“交流美学”这种美学的媒体其实是“非物质”的，它大多来源于无法触摸的信息技术资料。在这样一种情况下，这种信息的电子信号也自然留下了无形无迹的轨迹。一些交流艺术家通过他们的实践、思想，创造出建立在信息交流基础上的艺术。所以，展示设计就是结合一些当下最新的多媒体技术运用空间和审美互动达到作品和观众之间的信息和情感交流。20世纪以后，人们开始比以往任何时候都重视自己的身体，人作为主体在如今的社会是一种身体至上的时代。美国社会学家布莱恩•特纳对身体问题进行一定研究，明确指出在如今当代社会中的身体已经成为了社会中的最首要领域。在现代艺术领域中，身体既是主题也是媒介，通过身体的一种呈现与表达更能反映出一定的问题。在展示设计的场域中，身体体验也越来越成为考虑的重要性因素。现代的展示设计，特别是多媒体展示设计在展示方式上尤其重视观众的身体体验。在传统的展示设计中，绘画和雕塑作品作为装饰陈设成为收集和展示，收藏者通常是拥有一定权力的皇室、贵族等，身体体验的新奇方式没有出现在艺术的展示空间中，但在现代展示设计中，展品根据一定的分类形式等展示权力机制进行重新布置，观众在一定展示空间的“规导”下进行参观。展品大多以静态的陈列方式为主，具有身体体验式的方式在现代展示设计中没有太多呈现，而在现当代艺术的艺术展馆中，以身体作为交互媒介，通过更多利用观众的感官作用已然成为一种流行，人的视觉、听觉、触觉甚至神经大脑都与作品直接对话，产生一定的交流与互动。一些展馆中的影像展现运用一些互动技术，增加趣味性的同时，观众不再是被动的观看者，而成了点评作品思考作品的关键因素，无形之中已直接成为作品的一部分，打破了传统的静态展现方式的形态。这种让展品与观众产生互动的展出形式如今已成为展示设计发展的新趋势，推动了艺术展馆的发展。这样也产生了观众对于作品的一种审美体验，人这时变成了主体，由人来理解并界定作品的含义及其所传达出来的思想，这就产生了一种直接的经验，一种瞬间的直觉，在瞬间的直觉中这种互动的身体体验展示设计方式就产生出了一个意向世界，一个充满意蕴的感性世界，美感是与人这个主体及其所散发出来的思想紧密相联的，脱离了这种互动感就达不到一种美感的意境表达。这种体验的意象世界就是一种美，而以往传统的单纯性认识则追求一种抽象的概念体系，那是没有色彩的。
艺术美
艺术美学中还有一个特征是来自于作品所散发出来的艺术美。说到艺术美，还应该谈到一个艺术作品的层次结构的问题，有材料层，形式层和意蕴层，这三层关系不可或缺。设计形态作为一种视觉语言表现形式，通过图片、色彩、影像等形式带给观众视觉上的享受，材料所带给人们的感受是最直接的，观众可以近距离观察或者触摸到艺术作品的材料表现，这是许多设计领域所共同关注的一个表现形式，尤其是展示设计活动方面。不同的材料会给人不同的感觉。不一定贵的材料能带给人们最好最直接的感知，理解挖掘并创新材料中所散发的特质并很好地运用这个材料才是最关键的。材料现在正在从物质向精神转变，在表现一定艺术作品的同时要特别注意材料在作品中内涵的表现。展示设计中每个部分的完成和制作，从软件设计到布置陈列，无一离不开材料的考量，既要符合人类的审美需要，又要达到艺术美和环境的融合。在作品中，任何一种材料所要表达的意义也是不同的，对于意象世界的生成又是有影响的。例如大理石给人一种坚硬而又沉重粗糙的质料感，这种质料感带着朦胧的情感色彩，使意象充满一种“韵味”，相比之下，木质的感觉会更加具有亲切感，木头的触感和气味使人沉浸在作品带给人的一种气韵当中，就是这样的材料质感，一种氛围才能融入美感中带给我们享受。
新技术的互动表现
2结语
当今飞速发展的信息社会已经进入到体验化的时代，人们对于艺术美等美学美感的要求已经越来越高，对于精神文化体验的需求也越来越高，无论在日常生活中到超市中选购生活必需品，还是休闲过程中参观各类型的展览活动，人们都渴望带着轻松自由的心情通过情感上的交流体验获得感知。互动艺术是把观众们的思想感情与展示内容形式相融合，以观众的需求为中心，通过调动参观者的情感因素与展品的环境产生互动，从而传达展示作品信息。总结来说，美学问题中的审美体验与互动感知及其艺术品所呈现出来的艺术美在展示设计中已经显得尤为重要。这种美感已经成为展示设计乃至所有的艺术设计的一种趋势。
1虚拟展示开启展示设计的新时代
2展示设计教学现状
“展示设计”作为现代艺术设计领域一门重要的核心课程，在多年的专业教学发展中已经形成了一套较为成熟的教学手段和方法，但随着信息技术的不断发展和现代教学体系的日益丰富，“展示设计”现有的教学方式在实际教学实践中已不能满足相关需要，主要表现在以下几个方面。
2．1学生学习兴趣不高
学生学习兴趣不高，作业缺乏想象力和创造力。目前高校的“展示设计”课程教学多在教室中利用投影仪进行教学，仅能提供事先收集好的图片，学生还是扮演观众的角色，被动地接受这些信息，这种缺乏主动参与的学习方式使学生逐渐丧失学习的主动性，从而影响学生想象力和创造力的发挥。
2．2学生动手能力不强
目前，“展示设计”课程教学一般先由教师讲授理论知识，然后安排课程任务，提出相关要求，学生按照任务书进行实践操作。由于目前高校特别是一些职业院校办学设施薄弱，尤其是缺少“展示设计”课程教学用专门实验室，工具和材料也匮乏，直接影响了学生实践动手能力的提高。
2．3教育经费投入有限，教学条件亟待完善
目前，大多数高校都存在经费和教学条件不足的情况，这直接影响了“展示设计”课程教学场地、实践设备的建设，很多应该开设的教学实践内容不能进行，极大地影响了教学进程和质量，不利于学生掌握教学内容，更不利于培养学生的综合能力。
3运用虚拟展示技术教学的优势
运用虚拟展示技术手段，在展示设计课程教学中可以不受传统实验空间和条件的制约，在虚拟的逼真世界中设计、制作、修改和演示，能通过多种创新的表现形式，激发师生的创造灵感，帮助他们更好地展示作品，这是现有教学手段难以达到的。虚拟展示技术在教学中的优势主要体现在以下三点：
3．1教学设计程序简化
以产品展示为例，在传统的教学过程中，首先要进行产品模型的制作，学生在实验室里需要经过一系列复杂的实践步骤，先用电脑绘制模型图和效果图，然后选择相适合的材料、工具进行制作，最后打磨上色等。在这一过程中要经过复杂的运算和精密的测量，耗费大量的时间。而虚拟展示技术则只需要创建模拟的三维环境，让学生在虚拟的世界里完成实验室里的任务，通过鼠标、键盘等设备与展示对象进行互动，完成视觉、听觉甚至嗅觉的交互体验，大大简化了繁冗的工作程序。
3．2实践教学手段灵活
在传统的展示设计课程教学中，对教学场地、实验室条件等有较高的要求，比如材料要齐全、加工工具和设备要应有尽有。不少高校由于受人员和经费等条件的限制，往往忽略很多重要的实践教学环节，极大地影响了展示设计课程的教学效果和学生职业素质的培养。如果在课堂教学中引入虚拟展示技术，就可以在有限的资源和条件下完成实践教学，能显著改善教学条件，丰富教学手段。例如学生可以在教师事先设定好的虚拟空间内设计制作模型，并进行交互式体验，既巩固了基础知识，提高了学生的实际动手能力，又能有效地避免真实环境中因为操作不当等原因造成的安全事故和原材料浪费。
3．3教学效果良好
一、何为活动下的展示设计
现如今出现了许多以策划活动为主的展示设计，在一些中小型的展览展示设计公司中，一个项目的展示设计内容往往是在一项活动策划项目中进行的。这主要包括两方面的内容:（1）策划部分;（2）设计部分。前者主要是活动推广和现场活动、活动主题、活动内容、宣传物料、会员招募、礼品发放、会员优惠以及礼品专享，现场活动中即包括活动签到、活动舞台、艺术演出，等等。后者的体现主要是在具体活动中根据不同的活动主题文化背景确定整个展示活动的展示活动空间形态、平面的布局、参观流线、标识设计、展台及展墙的设计、整个空间的氛围设计、照明设计等。展示的设计的风格和内容是根据活动主题内容而定，整个活动的效果好坏不仅是策划的功劳更主要的是依靠展示设计的补充，所以这两项工作往往是密不可分的关系。
二、策划活动下对展示设计的要求
以“董事长欢迎晚宴策划活动方案”为案例，地点在总统府内。此活动接待贵宾目的是让贵宾夜游总统府并鉴赏和学习民国文化。因此策划师定义这次活动是以“民国风文化氛围”为主题的晚宴招待活动。
（1）现场：
主题与甲方确定后，设计师要在甲方带领下进行现场勘察，包括尺寸量取，树池数量，道路宽度，人流量估算等。活动前现场现场的勘察起了重要的角色，直接为平面图的布局起了直观的一面，也为后期的施工带来了方便，让设计师做到心中有数。
（2）平面设计与人流动线：
接着上述案例分析其平面设计与人流，根据现场勘察与甲方要求，设计师明确此项活动的内容及程序，分别是01-引导路线图02-接待背景03礼仪接待04-洽谈休息区与存包区05-主餐区06-舞蹈区07-民国街景08-茶歇区09-夜游路线。功能分区明确有休息区，观景区，氛围区，主要人流在05、06、07、08、这些区域面积要适当考虑大些，从而吸引更多的人观看。流线设计中从停车场到油画展区到中山广场区（主要区）最后夜游总统府，整个流线连贯性强，做到了不交叉、不逆流、避免流向复杂现象。人流动线的设计还要把人流方向，人流速度、滞留空间、休息空间做统一考虑。同时，休息区，洽谈区主餐区与舞蹈区形成动静对比，最终敲定方案。
（3）展示空间设计：
基于一个策划活动下的展示设计，要想活动精彩离不开展示空间对主题的烘托渲染。前面已经说了，此活动意在民国风文化学习，所以设计师在设计时，从色彩、展台、展墙都要与主题相吻合，包括物料选择上，在一个活动下，展示空间设计要考虑到，道具与空间之间、道具之间、观众与空间、观众与道具、空间与照明等整个多维复杂的空间。例如本案例为了烘托民国氛围，利用动态的卖报卖烟童，礼仪人员，黄包车，这些物料的服饰搭配等等都是为了更能够为展示空间增加活力。
（4）展示道具设计：
道具在展示活动中占有很重要的地位，它能为活动服务，烘托整个氛围，还能给人一种舒适的环境。道具有大有小，大道具有分割空间，供观众观赏的效果。包括活动中经常用到的表演节目的舞台，展台、展柜、展架这些无论从造型上、色彩上、还是展品都是为活动服务的。小道具包括活动中餐桌上的席卡，可以起到方便宾客找到席位的温馨提示，花艺的摆放，可以净化空气，使人感到平静，还有一些特殊的展架起到宣传说明作用，一些活动宣传物料起到了指引作用，指示牌起到引导参观者的作用，灯箱、音响、麦克风是活动中常见的道具，沙盘和微模型在展厅中常用，在活动中则多用于相关房地产宣传活动中。例如本次晚宴活动所需的主要道具将活动需要的欢迎背景台设计成一种书卷的形式，同时也作为本次晚宴的醒目标志，采用这种造型主要是体现民国时期的书香气息和文韵精神。根据本案设计的需求，舞台放置于主餐区边上，将原有场地区域中的树与舞台相融合，舞台规模，舞台背景的设计都与民国文化息息相关，舞台灯光的设计是遵循舞台艺术表演的规律和特殊使用要求进行配置的，其目的是将各种表演艺术再现，使得活动顺利进行。对于活动下的茶歇区的设计，茶歇区是活动中必须要有的区域，除了可以供宾客休息之外，茶歇区还起到“留客”的作用，目前很多茶歇区在奇特的布局上，下了不少功夫，比如茶座上可口的点心、茶水、温馨的提示、舒适的座椅，在喧哗的环境下打动人心。
（5）色彩设计：
色彩是策划活动中要传达主题的重要因素，也是观众认识、理解内容的条件，可以想象没有色彩的展示活动即环境将是何等的效果。很多试验足以证明，人们在观察物体时，首先引起视觉反映的是色彩，而后对形体的反映逐渐膨胀起来，进而形成完整的，有形有色的对所观察物体的反映。色彩不仅是展示形态的表情，更是整个活动的空间氛围的体现。因此，要了解色彩的特征，对观众心理的影响，研究并合理的运用色彩的变化规则及配色方法，实现色彩在展示空间环境中不可代替的重要功能，完成传播展示信息的目的。策划活动下色彩设计的原则：（1）完善展示空间，突出活动展览的主题。（2）色彩要统一和谐的原则。（3）丰富空间层次，突出活动中心的原则。（4）注重照明、材质等表现力的原则。
三、会展展示设计对策划活动的传播性
会展活动的核心就是使信息交流进而组织起来的传播活动。其活动的目的无非是使得企业形象得到传播最大化，获得最大的利益价值，即为了传播会展信息。成功的会展活动固然离不开活动策划者对整个活动过程的精心打造，所以，大家往往以为活动精彩的与否是策划师在起主导作用，这一观点至今为止，一直被商家及参观者所误导，真正起作用不光是策划者的活动过程策划，更主要的是在整个活动过程中的展示设计对此活动氛围的烘托，主题的打造，才使得会展活动对一个品牌有了传达力。那么会展展示设计是如何对活动进行传播的呢？首先我们知道一个活动往往最吸引观众的地方就是舞台上精彩的节目，活跃的节目可以使得活动达到高潮吸引很多人观看，但往往匆匆的过客，看完后只记得节目内容，而却不知道商家的意图，更记不得是哪个品牌的推广。另外还有一些参观者，觉得节目有意思想留下的却因为环境不好，或者没有休息地方等各种原因离去，这些都会造成对本次活动的失败。每一个活动的商家都不愿花大钱为一个活动布置持续的精彩节目的。这也是很多商家头疼的问题，解决此问题最关键的是，商家把重点太看重“表”上内容而忽略了“里”的部分。比如，舞台的造型设计，舞台背景及文字的设计，灯光照明都是可以大做文章来为本次活动进行传播的。同样地点相近的两个节目，一个有音效和灯效而且与整个活动氛围完全吻合，另一个只是照搬过去的别的品牌的设计没有特色可言，观众会记得哪个呢？还有如果你的活动舞台周围合理的设置了休息区，可供宾客休息饮茶还可以看免费的节目，我想也不会导致一些人看一半就走了，因为你为宾客提供的不仅是一次活动的推广，更是一个舒适的休息环境，这样以用户为中心进行考虑的活动，最容易引起目标观众的注意、共鸣、并为目标观众留下了深刻的印象，企业也因此达到了品牌的传播目的。活动中展示设计的综合运用最终达到的不仅仅是观众的参观，更重要的是对观众提供一种文化的传播，一种审美的感受，一种对企业的文化的理解等等，现如今的活动，策划流程固然很重要，活动中起了喧宾夺主的地位还是离不开展示设计无形或有形的传播性。
四、结语
现代展示设计慢慢的开始从室内设计专业中，独立出来，有了自己的市场，但是展示设计很灵活，它可以结合一个策划活动，通过展示达到一定的目的。通过策划活动下对会展展示设计的要求，以及展示设计对活动的沟通和传达力，并以一个会展活动案例贯穿全文，来说明活动与展示设计的是互相促进，互相补充的的关系。
一、影响环境设计理念与艺术特征的因素
1、影响传统设计理念与艺术特征的因素
在传统的设计理念中，没有高新技术的辅助，人类对自然的认知存在大片的留白，设计理念主要依据自然环境顺势而建，并受到来自生产力与经济基础的多方制约。
首先来自地理环境因素的影响，我们常说“因地制宜”，在生产与技术相对落后的先人时代，人们未有环境设计的概念，但所行所为却是与现代环境艺术设计不谋而合。
古代中国以中原地区为尊，而中原地区处于温带地域，气候温和、适宜人类居住，物产丰富、水源充足、男耕女织、生生不息，在这种温润的外界条件影响下，先人们的思想大多渗透着“和”的理念，即“达自然之性，畅万物之情”，留下了许多渗透着生态理念的佳作，“采菊东篱下，悠然见南山”、“空山新雨后，天气晚来秋”，
先人的诗句为我们描绘了一幅幅和谐优美的画卷，即便在今日，环境设计依然追求这种人与自然共生统一的态度，将人的存在融入山水之中，融入花草树木之间，融入鸟兽虫鸣之中，以自然观念反映人类初心。
其次是来自生产力与经济发展水平的束缚，我国由黄河流域的农耕文明发展而来，在历史的长河中，农业与手工业在经济发展中占据主要地位，农民顺应自然，希望风调雨顺，建筑物选址时也会优选水土肥沃之处，若说军事防建是对自然的征服，那生活之所便是与自然的平等对话，其间渗透着“师法自然”的环境设计理念。
而19世纪以来，伴随着第一次科技革命，工业文明得到了极大发展，人类大踏步进入了机械时代，对自然的开垦力度与强度急剧增加，甚至于追求极致的利润与效率，当人们沉醉于征服自然、成为世界主宰的美梦中时，层出不穷的环境问题发出了振聋发聩的呼唤，给人们敲响了警钟，人们重新认识到人与自然和谐共处的重要性，环保理念、生态理念逐渐成为时代的主旋律。
2、时代赋予环境艺术设计的新理念
经济基础决定上层建筑，当生产力提高至一定程度后，与时代相契合，环境设计也被赋予了许多新理念。
首先是人性化设计理念，在现代哲学观中，认为人是自由的个体，要求充分尊重人的主观能动性与个性化特征，新世纪是以人为本的时代，是人的个性充分得到彰显的时代，这种转变体现在社会生活的方方面面，居住环境的改变亦是其中的重要组成部分。
人性化设计也从最初简单的功能性绿化与人机工程的形式主义上升为关注人真实需求的观念，尊重生活习俗、社会文化，充分体现人文情怀。
其次是可持续发展理念，20世纪70年代，生态城市建设的战略得到确立，环境设计生态理念受到普遍认可，并作为一项整体的、多样化的系统工程得到广泛推广，依据生态学、环境学、艺术设计学等多学科综合性知识，将人工材料与气候、阳光、动植物、土壤、空气、水源等自然材料有机融合，构建可持续发展的、人与自然和谐统一的生态环境。
二、当代环境艺术设计的特征与原则
1、当代环境艺术设计的特征
1)多学科性与多层次性
环境艺术设计自发展之初便是一门融合了建筑学、园林设计、城市规划、美术及工程结构设计的交叉学科，随着时代的进步，其内涵得到不断扩充与延伸，向着系统化方向不断迈进。
同时，环境设计又是一门满足人们多方面需求的工程，具有层次特性，其中最底层的便是功能性需求，利用各种自然或人造材料，将环境改造的安全便利、舒适美观，例如卧室与客厅都需要良好的日照和通风，但卧室设计以温馨柔和为主，客厅设计则要整洁大方，设计对象不同的情况下，所选用的设计方法与原材料会有较大差异。
在此基础上，环境设计突出艺术特征与氛围创设，满足人的感官体验与情感需求，我们常常有在外居住不如家里舒适的感觉，这就是情感氛围的重要性，严谨利落的线条让人更多地联想到工作、任务而非家的温馨。
故进行环境设计工作时，应根据实际需求来确定设计风格与材料选择。
此外，环境艺术设计还应力求蕴含一定的文化底蕴，试图在充斥钢筋水泥的冰冷与理性麻木思维的环境中增加一些调剂，丰富人们的视野，环境艺术设计作品是城市形象的代言人，优秀的作品可以使人们心境开阔，感受到人与自然的紧密联系，实现自然环境与社会文化的统一。
2)关联性与统一性
有这样一种说法：环境设计本身就是在创造第二自然，其设计对象跨度非常广，从一个房间到一栋高层建筑，从一所园林到一座城市，每一个对象有其独立性，更有着与其他事物千丝万缕的联系，它们相互依存、相互关联。
故环境艺术设计工作中应注重同一空间内建筑的关联特性，运用多种过渡、融合方法实现其有机统一，否则就会出现不和谐的现象，如西湖旁的建筑群普遍体量巨大，严重破坏了其原有风景，造成了文化损失。
3)实用性
如前文所述，环境艺术设计最基本的便是满足一定的使用功能，而随着人们审美水平的不断提升，使用功能中也要求包含一定的美感，符合人的行为习惯与精神感知，各种机械设备的穿插也应避免出现生硬感，应以流畅的设计实现对人们的积极引导。
2、当代生态性环境艺术设计的基本价值取向
1)追求生态价值
传统的环境设计强调人的利益，但具有片面性，过于强调经济利益而忽视环境效益，为满足人类自身生存发展需求肆意挥霍自然资源、损害自然环境，造成了诸多生态问题，某些问题已经威胁到人类自身，这种片面的理念亟待转变。
高度发展的新时代呼唤生态价值观念，需要人们跳出以人类利益为核心的束缚圈，充分发挥丰富的想象力实现人与自然的沟通，尽量弱化人类活动对自然的破坏，秉承着高度的责任感与使命感施行环境设计工程，将环境负面效应降至最低限度。
2)强调生态伦理
自工业时代以来，人们过于强化“人定胜天”的理念，环境设计中强调人至高无上的地位，将自然环境视为人类的附属物，认为可以肆意践踏其他生命，但新时代的生态伦理观对此有了全新的定义，将人类负责的道德对象扩大至地球大家庭中的其他成员，从人类自身上升到对整个自然界负责，尊重每一个生命存在的权利。
3)符合生态美学
传统设计理念追求的美流于表层，追求富丽堂皇的外观与繁杂多变的设计带来的奢华感，追求以环境设计彰显地位与身份，而现代环境艺术设计理念则呼唤回归自然，追求简约时尚，
以生态平衡为核心，将人的活动融入自然界客观规律之中，实现自然的人化、人的自然化，既不是征服自然、俯视一切的唯我独尊心态，也不是对自然力的畏惧与妥协，而是人与自然的真正“合一”，是新理念下的生态美。
3、当代生态性环境艺术设计的基本原则
1)整体性原则
环境自身就是一个整体性概念，要求以系统的眼光去看待问题，在设计过程中既要注重细节，又不能舍本逐末，小的方面应当为整体服务并服从系统需求，短期目标必须有长远眼光作为支撑。
将环境看作一个有机整体，就可能呈现一加一大于二、整体大于部分之和的效益。
将无机环境与有机生物、文化传承与自然风光进行合理的安排，构建出运行良好的“二次自然”。
2)地方性原则
即便是在技术高度发展的今天，环境艺术设计仍要以地理因素为约束，力求融入地区特色与文化，比如北方的建筑应注重抗寒，南方的建筑应注意防潮。
地方性原则是生态理念于环境艺术设计的重要要求，期望设计者深入实地考察，设计过程以实际生活为导向，符合当地的风俗习惯与人情理念。
真正优秀的作品不仅在当时具有时尚性与新鲜感，经历了岁月的冲刷之后愈发历久弥新，切合实际的环境艺术设计作品将具有持久的生命力。
3)最小干预最大促进
环境艺术设计既然率属于人类活动，势必给自然环境带来一些影响，而生态理念则希望从设计上弱化这种影响尤其是不良影响，从技术上削弱这种不利因素，尽量维持自然生态系统的原有物质循环与能量循环体系，保持当地原有生态格局。
可以4R理念为指导，减少可再生资源的使用量，对原有景观构建进行再利用，并建立回收体系，巧妙利用回收的材料创造新功能。
4)艺术科学发展原则
生态理念下的环境设计要求实现科技美与艺术美的融合而非简单的叠加，不是科学技术的简单运用，而是强调科学为环境艺术服务，是在各种先进技术支持下的和谐、可持续发展的设计过程。
通过高新技术提高资源利用率、创造高质量的现代环境，同时，在每一环节与整体设计中渗透入艺术美感，使其符合人类审美追求与情感体验。
三、环境艺术设计中生态理念的运用方面
相较于传统设计观，生态理念指导下的环境艺术设计重视对自然环境的保护，将生态学原理渗透至技术应用与设计过程中，建立良好的生态格局，使其充分融入到原有自然景观中，同时注重资源的高效利用与回收再循环，实现节能减排的环境友好型设计，生态理念在环境艺术设计中的运用具体表现在以下方面：
1、生态设计与生态保护
生态设计将生态学原理直接运用于环境艺术设计工作中的过程，以维护自然生态系统平衡，促进资源可持续利用，保护物种丰富性为目标。
随着现代技术的不断发展与公众环保意识的不断增强，生态设计的理念已渗透至日常生活中，其设计方法也得到了较大发展。
设计师在设计过程中巧妙利用各种技术手段，可尽量减少人类活动对自然环境的破坏，并充分挖掘环境条件的有利因素，维护自然生态平衡。
如先进的主动呼吸式双层幕墙技术，它不仅防尘通风、采光合理、隔声降噪，还能在夜间蓄冷以减少第二天的空调系统工作负荷，科学利用了气候变化因素，节约了能源消耗。
2、生态恢复功能
若是在自然状况下，生态系统拥有着高度的自愈能力，但人类活动对其施加的影响超过其本身所能承受的限度，如废弃耕地、垃圾场等被人类生产活动严重破坏的地区，想要依靠生态系统自身完成恢复是极为困难的，设计师必须采取积极手段对其进行恢复与生态促进工作。
例如美国西雅图煤气厂公园设计时，设计师面对满目的报废设备，没有急于处理，
而是选择将其中能展现工厂历史的设备保存下来供人参观，种植适宜气候环境的树木花草，以鲜艳颜色点缀灰色机器氛围，既实现了系统生态功能的恢复，又有效降低了资金耗费，一举双得。
3、生态补偿功能
经历了漫长的只顾经济效益而忽略环境效益的历程，自然界的非可再生资源已经被大量消耗，资源问题已经成为发展的重要危机，为此，环境艺术设计工作应综合运用各种新兴技术手段，试图寻找可再生资源并合理利用，如德国林依斯伯格商务促进中心的设计中采用透光绝热材料，可吸收阳光进行辅助能源供应，
同时利用自然空气形成冷却循环，建筑充分利用太阳能与自然风，有效降低了不可再生资源的消耗量。
环境艺术设计已然成为人类生产生活的重要组成部分，并且成为一所城市乃至一个国家的标志，在环境艺术设计工作中应该秉承可持续、人性化、多元化思想，综合运用各种先进技术，实现技术美与艺术美的高度统一，为促进地球大家园的可持续发展尽一份力。
论环境艺术设计及个性化论文
一、环境艺术设计和个性化设计的内涵
（1）环境艺术设计的内涵。环境艺术设计是对我们的生活环境进行整体设计的综合性艺术活动。环境艺术设计的涉及范围非常广泛，不仅包括公共空间设计、景观设计还包括基础设施和室内空间的设计。另外，环境艺术设计不仅强调环境与人类生活相互协调的关系，还特别注重各种各样的审美特征，并将外界的环境特色作为环境艺术设计工作的重中之重。
（2）个性化设计的内涵。我们所谓的个性就是个别性，是指某一种事物不同于其他事物的特质。个性化设计的内涵的核心内容就是“美”，但是又和普通的独树一帜有所区别。我们现在所说的个性化设计就是将设计的素材和当地的历史文化相结合，然后再采用一些艺术手法进行进一步的加工，创造出别出心裁却又能被广大人民群众喜欢的艺术作品。但是我们在进行个性化设计的过程中，不能一味的追求标新立异，反而应该把外界环境和艺术作品的协调性作为个性设计的核心内容。
二、环境艺术设计中的个性化
环境艺术的个性化设计不仅仅是一种简单的艺术表现形式，同时还能展现出一个设计者凭借着自己多年的工作经验而逐渐形成的设计风格。可是有时候由于设计者在设计的过程中采用的是隐喻性的表现手法，导致环境艺术设计者所设计出的艺术作品的个性化表现的并不是十分明显，所以需要我们经过细心观察和仔细琢磨才能发现其中别样的“美”。其实，只要我们常常带着一双发现“美”的眼睛，就会发现环境艺术设计的个性化表现在很多方面，本文我们将主要介绍以下几个方面：
（1）科学与艺术的统一。环境艺术的个性化设计是一种强调外界环境和人们生活之间的协调关系，讲究艺术与科学互相结合的艺术设计方式。环境艺术设计包括很多环节，有时甚至连一件艺术品的摆设都要经过仔细考虑。所以，每一位优秀的设计者在进行艺术设计的时候，都会把业主的设计想法加以润色，然后利用相关的方法进行艺术处理。另外，在这个极具个性的环境艺术当中，在进行个性化设计时，我们还应该坚持改善环境、尊重自然的设计观念和可持续发展的战略，争取为绿色艺术的发展做出一点贡献。因为如果我们在日常的工作和生活中，对我们所生活的环境和拥有的自然资源进行毫无节制的破坏，最终会造成我们的生活环境渐渐恶化，严重时甚至会导致地球的'毁灭。
（2）提高空间的使用功能。随着时代的变迁和科学技术的进步，现在的环境艺术设计所涉及到的领域越来越广。环境艺术的个性化设计不仅注重环境质量，还在艺术和技巧等方面具有其独到之处。在当今社会中，在进行环境艺术的个性化设计的过程中，融入环保意识是艺术发展的必然趋势。另外，环境艺术设计者在进行艺术设计时不仅要注意环境与艺术品的协调性，更应该尽力满足业主的实际需要。而环境的空间使用功能会因为不同业主的个人习惯和工作性质的差异而有所区别，即使是相同的空间，采用了不同的设计风格，空间的使用功能也会有所差异。所以，我们应该学会进行科学的空间规划，采用最有创意和实用价值的设计风格，在提高空间使用功能的前提下展现出环境艺术设计的个性化。
（3）环境艺术设计风格化。环境艺术的个性化设计实际上是设计者对自然界中存在的一切事物的见解的最真实的反映，有些时候个性化设计是抽象的认知的过程，有时候又是在特定的背景下掌握的自然界中的客观规律。环境艺术设计者能够设计出极具个性的室内装修方案，绝对不是设计者浪漫主义的自我展示，反而绝大部分原因是由于设计者极具新意的创新意识和丰富的想象力，是设计者为了摆脱庸俗的设计想法，追求充满创意的设计的具体表现。对于众多环境艺术设计者来说，在数以万计的设计方案中选出最佳方案，是为了最大限度的获取更大的空间而必须采用的一些艺术方法。而在城市和人们居住环境的设计和规划的过程中，设计者经常会注重城市的设计观念，也就是我们所说的空间中的文化形式的表现方式。同时，在设计的过程中，设计者为了满足广大居民的需求，往往会在设计的过程中添加一些具有文化内涵的设计元素，尽力帮助广大人民群众了解各个地区不同的民风民情和风俗习惯。另外再加上一些其他的客观因素的影响，促使设计者们不断创新，推动了环境艺术设计的个性化的形成和发展。
三、结束语
环境艺术并不仅仅像人们理解的那么单一，实际上环境艺术是指在一定的领域，利用各种各样的艺术和技术手段，帮助我们赖以生存的环境增添一些艺术意境的艺术形式。而环境艺术设计是伴随着环境艺术的发展才刚刚兴起的一门综合性的学科。环境艺术设计是协调人类生活与自然环境的关系和构建绿色生态环境的必备条件。随着国家综合实力的加强和人们生活水平的提高，广大人民群众对于美的追求也越来越高，为了满足人们的需求，环境艺术设计也在不断的摸索中发展着，渐渐地形成了环境艺术的个性化设计。所谓的环境艺术的个性化设计就是利用人类与自然的协调关系，让设计出的艺术作品具有自己特色，不求标新立异但求别出心裁。环境艺术的个性化设计不仅可以开阔我们的视野，协调人与空间环境还有利于实现城市与自然可持续发展，从而美化我们生活的空间环境，促进人类社会的可持续性发展。
一、淮河博物馆的展示设计原则
装饰造型简洁，突出文物和展品内容的原则：考虑淮河博物馆旅游地的特殊属性，展厅色调较为明快，采用简洁的造型手法和朴素的材料语言，突出文物和展品内容，通过关键节点的精心设计来营造博物馆的文化氛围，更加凸显博物馆空间的专业属性和视觉感受。文物展品保护与照明适度和节能的原则：在整体空间的照明控制上，我们将入口和出口处的灯光设置适度的增加照度，使观众在进入和走出展厅时能更好的适应光线的变化，合理控制展柜中的照度与展柜外周围环境照度关系，所有展厅对文物的照度均按国家_文物保护标准执行，在无人时会自动关闭或降低照度，更好的保护文物和节约能源。
通过对陈列大纲和淮河博物馆建筑交通流线的分析，考虑到整体展线的顺时针性及布展文物内容的多少与展厅面积大小的关系。我们把展厅布局为：一层展厅为上善佳水（自然篇）、淮魂千秋（历史篇）两个展厅。二层展厅为淮河治理（水利篇）、淮风流韵（文化篇）、淮上明珠（家乡篇）三个展厅。交通流线设计：路线设计为单向有顺序性的水平交通路线，具备一定的灵活性和可选择性，避免人流交叉及重复路线，局部有地面抬升平台，丰富观展视角。展陈形式的创新：博物馆不同于一般的公共空间装修，它是通过对展示的空间艺术处理来突出展品和烘托展览主题，本案根据不同展厅的内容变化，强调每个独立展厅的内容特点，突出展览的地域特色。同时削繁为简，通过一定程度上统一的立面处理来保障整个展馆的完整性。营造场景：用圆雕、浮雕、壁画等艺术手法结合模型、场景、全息图像的方式，利用舞台布景原理，以最小的进深营造尽可能宏大的场面，让观众身临其境，同时精心设计的场景也作为展厅中的视觉亮展品与空间环境的和谐：文物展品是整个空间的核心价值所在，在本案的设计中，文物不再仅仅是通过简单的展柜摆放，而是通过和展厅内部的版面、视频、机构等各种展陈手段相互呼应而创造出一种气氛和意境，全方位的诉说展品的价值和包含其中的历史文化背景。
二、淮河博物馆的具体展厅设计
基本陈列展厅与专题展厅在统一的设计手法下力求变化，结合各展厅陈展内容的特点，明确各展厅的主题，增强每个展厅的辨识性，保障博物馆整体展陈的鲜明特色。公共空间设计：由历史性、功能性及艺术性的要求，我们在公共空间的设计上应是淳朴自然的，同时强调其细节处理，与外部建筑的风格相协调与呼应，以此来强化整个建筑的统一和完美。在色彩的设计手法上使用中性偏暖的色调以并此作为统一整个博物馆不同展厅的基调，用统一规整的整体处理手法吸纳消化各个展厅纷繁复杂的展陈内容，避免观众在参观的过程中产生视觉疲劳，维持观众的参观兴趣。公共空间的设计是含蓄内敛的，艺术表达准确而又生动，她向参观者静默的讲述淮河流域曾经的历史、辉煌的艺术和在这片区域上生活的人们的故事，让我们来聆听……
第一展厅：上善佳水（自然篇）该展厅位于博物馆一层左侧。入口设置一个序厅，作为整个展览的开始，采用抽象的手法，特殊加工的材质肌理表达“上善佳水”的意境，突出主题叙事的宏大特征，采用对称的手法将观众的视线引入展厅内部。在其后的展线布置上采用主展线副展线相结合的方式，主题内容置于视线的不同层面上进行展示，同时在材料和结构的手法上统一每章节内容，使人们循序渐进的了解认知一系列的主题内容。在该内容的副展线部分设置模型机构和视频影片播放的空间，保障了展览序列的完整性同时又延展了文物展品的内涵。如图：
第二展厅：淮魂千秋（历史篇）该展厅位于博物馆一层右侧。我们结合淮河流域独有的风格，将文物展品与场景复原更加贴近的进行整合，使观众在参观并深入了解的过程中感悟淮河流域文化特色。通过统一的色调与材质，将各个部分紧密的结合成为一个整体的展陈空间。在其后的休息厅部分用表现性的色彩展架结构与公共空间相结合，创造独有的观展体验，同时保持观众的兴趣。我们结合大量的图片与实物，通过不同高度层面的划分与安排，使观众多角度了解历史，并沉浸其中。在材料的使用上保持与一层展览空间的色调一致性，穿插富有历史感和时代感的色彩，用现代的设计手法进行有条理的布置，满足观众参观和认知的同时使观众得到愉悦的空间体验。
第三展厅：淮河治理（水利篇）该展厅位于主体建筑的二层，在色调上却别于一层展厅。入口处退让出一个序厅空间，采用浮雕的手法将展厅名称衬托出来，整体气势庞大，浮雕内容将整个展厅的核心选取出来加以艺术处理。由于整体的展厅空间有限，而展陈内容十分丰富，我们在其后的展陈设计中通过张弛结合的手段，用视频、投影机构、模型等手段整合大量的资料内容，结合文物，文献等实物展示，保障了整个展厅空间的大气与完整，同时又丰富了参观者认知途径的多样性。
第四展厅：淮风流韵（文化篇）在展厅入口处便将淮河独特的地理位置和南北文化交汇的独特气质展现在观众面前，直观展出来该馆的内容体系。在展厅内部的设计中，点缀与淮河流域相关的文化遗产载体元素作为装饰，使用更加简洁的立面造型，丰富柜内展示的形式，结合部分场景复原与现场表演创造出独具韵味的民俗文化长廊。
第五展厅：淮上明珠（家乡篇）在展厅展线的设计中，我们运用实物展柜和图版及场景复原相结合的手段，把展示资料充分的展示给观众，并通过在展线中加入电子大屏幕，营运声光电等高科技手段来丰富展示形式，合理调度观众的参观线路，调节观众的参观情绪。在装饰材料上，我们多应用专业博物馆材料，并通过应用木材等温性机理，使得观众在一个充满文化气质的空间中。并通过一系列的艺术品设计导入，及多媒体互动结合，让空间保留原有的大尺度的协调性。在形式上采用展板、复原模型、展柜、视频疏密有度的结合让观众更容易所感知和接受。强调参与性，强调展览的多元化手段，并在此期冀给观众留下深刻的印象。
第六展厅：临时展厅展厅色调素雅，空间舒朗清新，照度控制精确，入口展标和柜头的展板很方便新的改陈，柜内的道具也可以重复利用，全方位考虑了文物展陈的保障条件。长期陈列肩负着有效展示藏品、完善收藏机制、学术研究、公共教育等多项博物馆基本功能淮河博物馆定位于国内同类博物馆先进水平，它的建成将成为淮河绚丽悠厚的历史文化载体，创造一个重新谱写历史篇章的人文、自然景观。将成为人们了解淮河，了解淮河文化的重要窗口。我们的方案力求以宏大的气势、生动的内容、多样统一的造型手段和典雅的风格，配合现代声光电技术的最新展示手法来演绎淮河博大的历史情怀，全方位多角度的解读淮河灿烂的文明。
响应绿色环保的展示道具设计理念，采用自然材质或绿色环保材料，以简洁而适用的结构来建造。使用纸、竹子等生态材料，或者是标准化的、可重复使用的金属构件，以减少废弃物对自然环境的负荷。
（一）纸材质的应用
纸质展示道具是以可回收作为设计的出发点，连接结构的设计须易于组装和拆卸，并在废弃后能够充分地回收再利用，从而减少废弃物的产生，使资源有效循环使用，实现节约资源和保护自然环境的目的。
纸质展示道具的绿色环保性体 现在以下五个方面：一是纸材质的来源广、质轻、价格低廉、便于加工；二是具有较 好的组装性和拆卸性，通过自身结构能够定型，也便于快速拆装。运用切割、折叠、穿插等结构方法构造的展示道具简洁、适用，强度较高；三是易加工、工序少，减少在制作工艺上产生对环境有污染的因素；四是易运输，降低物流费用。纸质道具可以采用平板式包装，节省包装材料，易存放，减少物流空间，从而降 低物流成本；五是回收性好，便于循环再用，容易降解。
在20_年米兰设计周上，日本建筑师坂茂（Shigeru Ban）为法国时尚品牌爱马仕（Hermès）设计了纸质展示空间（图1、图2）。作为首届爱马仕品牌当代家具展的展厅，这个纸质展示空间创造了一 个真实而温馨的家居环境。该 展 厅延续了坂茂对 纸材质创造性应用的特点，展示空间与道具均使用纸质材料建造。纸屋用三合板和厚纸筒来构建，粗壮的纸管替代了传统的木柱，波浪形的纸板穿过纸管，形成纸质的隔断墙，建成独立、完整的展览空间。
（二）竹材质
竹材质作为一种绿色环保材料，因其易加工的特性、高雅柔韧的美学意象、生态环保的实用功能，成为备受设计师青睐的材质。竹材质能够丰富展示空间的艺术形式，揭示特定主题的内涵，较好地 承载展示信息。同时它对渲染环境 气氛具有重要的作用，是现代绿色展示中常用的材质。
竹材质具有以下的特性：一是生长快，再生能力强，价格低廉；二是柔韧性高，质轻，抗弯能力强；三是易加工，易于切割或弯曲，制作灵活方便；四是低碳环保。竹材料能吸收紫外线，抗静电，在竹制品废弃之后可彻底降解，归于泥土，是理想的绿色环保材料。
20_年广州设计周中“伶居艺术陈设空间”的展位（图3），设计师运用大量竹子 作为主要展示材料。竹材料在展示空间中的运用，丰富了艺术表现形式，挖掘了传统材料的特质并加以创新运用。竹材作为低碳、环保、绿色的材质，尤其适合 运用在自然、生态、人文、可持续发展等相关主题的展示设计中，较好地完成展示信息的传播，同时对深化主题、烘托环境气氛、揭示主题的性质与内涵具有重要作用。
（三）金属材质的应用
金属材质具有较好的韧性、弹性、易加工的特点，表面有光泽。金属表面的加工既可以精致细腻，也可以粗犷厚实，是一种体现工业和科技文明，表现力非常丰富的材料。
金属材质在展示道具（图4）中使用比较广泛，铁、铝、铜、不锈钢是展示道具中常用的金属。金属材质容易制成标准部件，容易拆装，在短期的展会结束之后，拆卸、还原成为零部件，再通过不同的组装方式循环再利用，实现绿色环保设计的.要求。
1服装橱窗展示的表现形式
点是相对线和面而言的，点是空间中只有位置，没有大小的图形。对服装橱窗展示设计中点的理解可以分为两大类。一是服装橱窗展示设计的展点，它是展示的重要节点，设计师常在节点处做重点展项的设计。二是点元素的运用，它不一定是个小圆点，可以是一个小的图案、一个小的色块，点可以是规则的，也可以是不规则的。点具有很强的视觉冲击力，能起到画龙点睛的作用。在服装橱窗展示设计中应用点饰时，应考虑到橱窗和卖场整体的设计，处理好点与线、面之间的关系。
从概念上讲，线即为点的集合。线的表现形式可以分为直线表现形式、曲线表现形式和直线曲线结合表现形式，设计师根据不同的主题选择不同的表现形式，不同的表现形式也具有不同的特性。在服装橱窗展示设计中，直线是最基本的表现形式之一，使用得当的直线，能够取得明确引导观众视线的效果，具有明显的秩序感和稳重、理性的特性。曲线可以丰富服装橱窗展示设计的效果，打破单纯直线造成的理性、严谨的氛围，具有圆润、运动、回转的特性。在服装橱窗展示设计中将直线展示形式和曲线展示形式有机地结合起来，达到最佳效果。
面是有线的运动轨迹形成的，强调形状和面积，有长度、宽度而无深度。由于在各个方面的幅度、比例不同，面分为圆形、方形、多边形、三角形以及不规则的图形。在服装橱窗展示设计中常用的面有圆形、三角形和矩形。圆形具有较强的视觉向心力，在服装橱窗展示设计中具有很好的适应性和强调性，根据不同的服装展示设计需求，可设计为球形、扇形、螺旋形等形体，成为服装橱窗空间设计中的视觉重点。三角形是服装橱窗展示设计中常用表现形态之一，正三角形给人稳定、庄重的视觉效果，而倾斜或完全倒置的三角形给人一种不稳定的状态，视觉冲击力很强，是服装橱窗展示设计上的焦点。服装橱窗展示设计中矩形表现形式一般来讲显得正统、严谨，但是缺少变化，可将大小不同或色彩不同的矩形组合在一起，可获得丰富生动的效果。
2服装橱窗设计的原则
橱窗展示是当今世界各国零售业广泛应用的一种立体广告形式，服装橱窗展示设计以高效信息传达和信息接收为根本宗旨，不仅是商家传达信息能力和传达信息宗旨的展示，更是使顾客认知、认可、认同品牌的展示。
以“人”为本
服装橱窗设计应充分考虑消费者的行走路线，将顾客的静止观赏和移动观赏的角度和最佳视线高度及自远至近的视觉效果相结合。服装橱窗展示设计真正做到以人为本，联系顾客心理特征的橱窗，在服装橱窗展示设计中应用消费者以往生活场景再现，唤起他们的联想，想象置身其中的自己，享受精神上和心理上的双重愉悦。服装橱窗展示设计只有贴近消费者生活实际场景，才能更容易被消费者接受，与其产生共鸣。
展示主题鲜明，风格突出
服装橱窗展示设计的主题应鲜明，风格突出，用最简洁或最直接的陈列方式及表现形式告知顾客所表达的主题。在橱窗空间中选择商品要与展示计划、主题相吻合，商品的数量不宜过多，商品种类和颜色配合不能太杂，要简洁构成，把视线集中在想要表达的商品上，才具有说服力。
创意美感，丰富店铺艺术效果
美是橱窗展示功能的突出体现，因为它要吸引人们的视线，感染和激发人们对商品的兴趣，橱窗展示的美感是通过商品本身的形状、色彩、质地，以及为了衬托此种商品的背景、装饰物、灯光的综合运用，以组合、配置、构图等手段来完成。和谐统一，创意美感，丰富店铺艺术性效果，是橱窗设计的重要追求。
促进店铺销售业绩的提升
服装橱窗是服装卖场的一个部分，在布局上要和卖场的整体风格相吻合，形成一个整体，传达的信息应该和店堂保持一致，尤其是传递卖场内的销售信息时，如折扣促销，店铺折扣和橱窗折扣信息应完全一致；如果服装橱窗里展示的是“新装上市”主题，店铺陈列主题也要以新装为主，橱窗和店铺内相呼应，并储备相应的新装数量，以配合销售需要，提升店铺销售业绩。
3小结
服装橱窗展示设计应结合人们的消费心理，充分考虑人们的消费习惯，利用专题橱窗展示促进店铺的销售，随着人们精神文化生活的不断提高，服装橱窗的节日专题展示和季节专题展示受到越来越多人的青睐。如男装针对父亲节，女装针对母亲节、三八妇女节，童装针对六一儿童节做推广活动的节日专题服装橱窗展示；店铺在每个季节开始的时候都会推出新品橱窗展示，用产品来引领消费者对时尚潮流和季节变化的理解，季末时的促销主题的橱窗展示，便于及时清理库存，节约成本。服装橱窗展示设计的主要目的是要促进服装店铺的销售，我们应充分考虑人们的消费情感，设计出能够吸引人们眼球和促进销售的服装橱窗展示作品，与消费者在感情上产生共鸣的同时，提升店铺销售业绩，促进服装品牌的发展。
1研究的背景、目的及意义
（1）研究的目的。
中国的展示设计呼唤原创。那么，什么是原创性设计，如何才能做到原创？原创是与众不同的创造，它需要灵感，而“灵感”是一个非常难以捉摸的东西。要想使灵感主动进入我们的思想，进入我们的作品，就需要寻求一种新的设计方式。研究抽象形态可以防止设计师的灵感“干枯”，可以使设计作品得到更多的灵感。研究抽象形态在展示设计中的应用可以把展示空间带到艺术的殿堂，从而更有资格成为艺术作品的展示平台。对生活中的事物进行抽象形态的应用是一名设计师应具备的能力。抽象形态研究已成为现代展示设计创作过程的重要组成部分。本文拟通过对博物馆、专卖店、展览场馆等展示设计空间进行系统研究，归纳出抽象形态的运用频率和方式，以论证抽象形态运用的合理性，促进我国展示设计的完善和发展，并对其它设计领域起到借鉴作用。
（2）研究的意义。
目前，国内还没有对抽象形态的具体设计原则、具体运用方式及如何进行创新性设计等进行详细的探讨和论述。就实践而言，大多展台、展馆、博物馆等设计特色不明显，很多只是跟随室内装修的风格或者借鉴国外的创意。但随着展览业的发展，人们思想认识、审美能力的提高和国内优秀设计范例的引入和借鉴，展示设计也逐步走到人们的视野中，为人们所重视。任何抽象形态都可以分为点、线、面、体基本要素。研究这些要素的内在含义、性质特征及造型的相互关系，运用新的思维方式和表现手法将其有规律地组织、重构，对于提高展示设计艺术水平、展示效果和总体质量有着十分重要的意义。在展示空间设计时，有许多设计师不能找到合适的创意源，这时运用仿生学的原理，赋予展台、展厅一个形象的外观造型就是一个最好的选择。抽象形态中的仿生形态可使人与展示空间更加亲近并蕴含着生命的活力。设计师根据人类的物质和精神需求，利用生物形态中包含的丰富造型设计语言进行人性化设计，可以为展示空间寻找更好的表达方式，使得人与空间的对话更加轻松。在展示设计中，抽象形态设计思维是对基本空间划分和形态展现能力的训练，但是我们必须正确认识抽象形态设计的实质是对自然物的再创造过程，而不是简单的模仿、塑造。注重“神似”而非“形似”。无论人类社会发展到什么时候，抽象设计思维都可以帮助设计师充分发挥想象力，抽象形态的表达能够为展示设计带来生机与活力。
2抽象形态的概述
抽象是从众多的事物中抽取出共同的、本质性的特征，而舍弃其非本质的特征。抽取事物的共同特征就是抽取事物的本质特征，舍弃非本质的特征。抽象形态特指无法表明确定的形象和形态，虽然可以引起我们某种感受，在生活经验中却找不到明确的对象，即抽象形态。抽象形态的表现有三种类型：一是半抽象或半具象：常常有客观的形态基本暗示，但通过对其进行拆解、重组、添加、变形等，使新形象介于具象与抽象之间。二是具象的抽象：从现实世界的物质形态中抽取出来的抽象形态，依据感受，对触觉、听觉、味觉等进行视觉化的意象呈现，创造出仿佛内含有机生物的抽象形态。三是绝对的抽象：抽取一切感觉印象后所剩下的纯粹形态。该抽象在雕塑和部分展示作品中运用较多。在现代展示设计作品中，不会局限于上述一种类型，往往会把几种类型相结合。对现有事物进行各种抽象处理，从而打造一个全新的空间形态。抽象形态的创作手法较多，具体有通过点、线、面、块的分析重新组合创作；有通过仿生设计法，提取大自然生物中的轮廓、色彩、结构等方面，进行有效地设计。下文有专门的介绍，在此就不做过多的解释。
3抽象形态在现代展示设计中使用方法的研究
抽象形态在现代展示设计中的使用方法有很多，通常通过平面构成、立体构成来实现造型上的抽象形态运用。仿生设计作为比较常用的设计手法，能够使具象的事物通过轮廓、色彩、肌理等表现，达到预期的抽象形态设计的目的。下面具体分析这几种设计方法的应用：
（1）平面构成设计手法。
平面构成设计手法主要是研究点、线、面等视觉语言元素，在二维平面内按照一定的美学原理进行合理的分解、组合、重构、变化，创造出新的形态、理想的组合方式，以及新的视觉形象。在展示设计中，设计师可根据展示活动的理念、展示的重点、题材的需要来选择适当的构成要素，以增强其表现力。在展示空间中，以位置为主要特征的都可以看成是点，点的运用可以体现展品与展品、展品与道具、装饰物与背景之间的空间位置关系。点的运用是丰富多样的，各种不同的视觉效果可以通过单点、双点、多点、点群等的灵活运用来实现。在展示设计中，线的表现力很强，利用线的粗细、疏密可以表现出层次感、立体感；利用线的各种连接方式可以起到隔断和装饰的作用。线还可以用在整个外观造型中，由抽象线条交织形成的虚空间形态能给场馆增添强烈的神秘感。在展示设计中，面的运用方式有很多种，有的运用在道具上，有的运用在顶部，还有的则运用在墙体上。点、线、面在展示设计中的使用非常的频繁，已经成为现代展示设计不可缺少的元素之一。本文主要研究他们之间的关系和应用，使得设计师在今后的运用中能够更加合理和得心应手。
（2）立体构成设计手法。
立体构成也称空间构成，是研究立体造型各元素常用的设计手法。它以视觉为基础，以力学为依据，将造型要素按照一定的构成原则，组合成的美好形体。展示设计的结构形式和立体构成中的形体组合构成是相同的。那些立体构成中的组合原理、规律和方法都可以在展示设计中被运用。三维空间的立体形态不仅包括看得见的实实在在的实体形态，还包含着看不见的、却能感受到的空虚形态，是具有上下、左右、前后三个维度的形态。设计人员可以借助立体形态的实际效应（如大小、轻重、方向、重心、虚实等）来完成形态的心理效应（如情感、理念、美感等），使观众产生强烈的视觉效果。例如，20_威尼斯建筑双年展扎哈展现场，扎哈•哈迪德及合伙人事务以这次展览的主题——“共同背景”（CommonGround）进行展览构思，贯穿事务所设计哲学，融合设计灵感来源，全方面地呈现事务所的设计动态。通过装置展览，事务所特别希望探索的是轻质壳体与可拉伸结构之间的关系。在本次双年展上，事务所首次将这种复杂的壳体和可拉伸的结构结合在一起。Arumshell（尸臭魔芋壳体）是一个用褶皱金属做成的装置，用一个我们立体构成中常用的曲折、拉升练习中的案例，通过抽象处理展示在空间中，并和周边的环境形成呼应。点、线、面、体等构成要素的运用并非各自孤立，而是相互并用的。综合性地运用点、线、面、体四种要素进行展示设计，可以创造出生动的形态与强烈的对比效果，给人以深刻的印象。
（3）仿生设计法。
仿生设计法在抽象形态研究中是不可缺少的，较多优秀著名的抽象形态设计，使用的都是仿生设计法。仿生设计法是通过对大自然的了解与分析，总结与抽离出来的形态设计方法，这种设计方法可以使人更加亲近大自然。其手法有模仿形态的外形特征；模仿形态的结构特征——骨架、内在结构——建筑中的曲梁结构，显示出从动物骨骼与生命内在结构中借用的形态组架；抽象形态的运动规律——关节点、运动线。仿生表现法是比较高级的方法，也是抽象形态中难度比较高的设计方法。对形态运动状态的观察与模仿是一种对形态时间上的变化的把握，我们要抓住每个运动点留下的痕迹串联起来所形成的运动线，把我们肉眼所看不见的。例如，光、波、声音、时间等不可见的“行走”，用可见的形态结构抽象地传达出来。现代展示活动是公众参与的活动。现代展示设计就是在特定的时间和空间范围内，运用艺术设计手段，通过对空间与平面的艺术创作，使其产生独特的时空环境。不仅演绎展示的主题，而且使观众能参与其中，达到完美沟通的目的，为展品创造最佳的“演示”时空环境。根据时代发展的需要，现代展示设计要求选用形态新颖、手法独特、效果突显主题、展示产品、提升品牌的设计手法，来吸引消费者和参观者。这就需要设计师们发挥创造力，运用各种设计手法，从生活、自然中寻找灵感，而仿生设计手法一直是设计师们的“宠儿”。它可以把原生态、亲切感等心里感触与设计融为一体，开拓设计者的思路，让大自然的点点滴滴渗入设计中。研究抽象形态的应用，不可忽视的部分就是仿生元素的应用、仿生设计法的运作。它可以使抽象形态更加符合人们的需求与审美。
4抽象形态的应用领域
抽象形态的应用领域非常广泛，涵盖展示设计、绘画、雕塑、建筑、产品造型等各个领域。它可以给人们带来不一样的感受，可以是惊喜、惊讶、沉思、遐想等，很多时候这种感觉无法用语言来描述，需要通过抽象形态的造型来达到预想的目的。艺术评论家苏珊.朗格曾说“一切真正的艺术都是抽象的。”展示设计是建筑楼宇、展台造型与展览环境的重要组成部分，它需要艺术对它进行影响，从而吸引参观者的眼球。在展示空间的设计中，我们可以通过研究，简化空间形态，用一些抽象图形和道具来吸引参观者。人们不仅可以快速注意展厅的外观，还能通过道具的别致设计关注展品的魅力。这样的抽象形态运用既节约材料，又提高了展示效果。展示设计是建筑或城市建设的重要组成部分，它的设计渗透着建筑或城市的人文特征，对建筑或城市的文化与形象具有宣传作用。另外，抽象形态的应用不仅可以提高城市的艺术感，而且可以吸引人们的兴趣，更好地宣传一个企业产品，一个城市甚至是一个国家的文化。
5抽象形态在展示设计中的应用分析
“一份耕耘一份收获”，任何成绩的背后都蕴藏着一定的努力和汗水。中国20_年上海世博会中各个国家馆、企业馆建设取得如此巨大的成效和高度的肯定，是与他们设计者、建设者的努力分不开的。在现代展示设计领域，世界博览会是持续时间最长，规模最大的展览项目。在世博会运营过程中，各国优秀创意思路和优秀设计都在园区内展现着，这些经过层层选择的形态表现非常值得我们研究、学习，并在未来类似项目建设中加以利用和发扬。20_年世博会，国人可以不出国门看到世界各国的建筑。作为设计师可以学习各国出色的创意，合理的搭配。在整个园区中，国家馆和企业馆都非常有特色，抽象形态的运用更是如火纯青。整个世博园区像是一场“各类设计作品”的盛宴，集合着建筑、展览、产品、多媒体等各种顶尖设计，任何一位设计师跑进来都能饱餐一顿。接下来，本文对将阐述20_年世博会中抽象形态的运用。
（1）英国馆设计。
英国馆的设计是一个没有屋顶的开放式公园，展区核心“种子圣殿”外部生长有六万余根向各个方向伸展的触须。此处触须的设计是立体构成中的线材构成作品，由中心点向外扩散。白天，触须会像光纤那样传导光线来提供内部照明，营造出现代感和震撼力兼具的空间；夜间，触须内置的光源可照亮整个建筑，使其光彩夺目。英国馆最大的亮点是由6万根蕴含植物种子的透明亚克力杆组成的巨型“种子殿堂”——这些触须状的“种子”顶端都带有一个细小的彩色光源，可以组合成多种图案和颜色。所有的触须会随风轻微摇动，使展馆表面形成各种可变幻的光泽和色彩。从形态上看，英国馆的设计不管从外部形态还是从内部结构，都充分展示着抽象形态带来的震撼。外部表现的是线材的巧妙运用，内部表现的是点的排列效果。运用构成的手法，完成抽象形态的展示。一个好的设计，不仅要做“第一眼”美女，还要充分考虑内部结构的合理性。这对于设计师而言，就要在充分理解造型的基础上，与技术部设计师充分合作，只有这样才能创作出完美的作品。
（2）奥地利馆设计。
奥地利展馆远看如同一把平躺着的吉他，其外墙和内部装饰包含大量瓷元素，寓意自中世纪以来出口欧洲的“中国瓷”再度回到中国。奥地利馆部分灵感来自于航行的船，瓷质建筑，远远看去像一把琴，展馆馆标的主体图形是汉字的“人”，展馆标志所投射出的阴影是奥地利国名首字母“A”。这一设计将中国和奥地利两国的文化元素巧妙地结合在一起。整个设计没有走寻常路线，运用吉他、字母“A”这样的具象形态，进行元素提取，巧妙地采用了多种抽象手法。馆中绝大部分墙壁呈弧形和折线形，造型奇特，超乎参观者想象。整个内部的设计呼应场馆外观设计，采用了各种手法去除复杂的造型设计，通过弧线、面、体等元素有机的结合，归纳出一个抽象简洁的造型。整个环境没有过多的色彩，简洁的白色并没有凸显场馆的单调。相反，婉转的曲线，凹凸有致的墙面肌理效果都使这个充满着抽象元素的空间散发着不一样的味道。
1传统人物图案在现代展示设计中的应用
《非典勿入》是李克的设计作品之一，其中就融入了传统门神的形象，充分体现了其保障生命的重要意义以及非典勿入的基本设计理念.在该设计中，门神与口罩联系在了一起，这就突出了非典病例的危害性，对人们的身心健康造成了极大的威胁，就连门神都需要通过带口罩来避免病毒的侵害，这就从另一个角度凸显了形式的严峻性.再来看一下《平安山东》，门神在其中占据的地位十分重要，而且占据的版面很大，约达到整个版面的三分之二.在这个设计中，门神的形象十分温馨，面带微笑，手持“出入平安”的字符，将“平安山东”的理念体现的淋漓尽致.在众多现代设计中，人们不仅可以看到门神图案，而且可以找到八仙的图案.例如，在“八仙过海”设计作品中，不仅体现了八位仙人，而且与八位设计师相呼应.至于“一仙”硬币之说，表明设计者的自嘲意图，即每人只值一仙.
2祥禽瑞兽图案在现代展示设计中的应用
在现代设计中，祥禽瑞兽的图案的应用也越来越多，这就表明了人们对于吉祥的追求和对于幸福的渴望.至于人们为什么会如此渴望“吉祥、幸福”，这需要源于古代人们的穷苦生活环境以及以往消极的生活态度.对于古代中国人们而言，生活环境恶劣、思想禁锢、饱受欺凌，各种天灾人祸都时不时地打扰者他们的生活.基于这样的生活环境以及这样消极怠慢的文化氛围，都导致人们对这种生活的厌倦和逆反.人们开始向往安居乐业，衣食无忧的日子.虽然之前的生活依然处于水深火热的状态，但这丝毫没有打消人们对美好的生活的向往，而且他们的美好夙愿将始终被保留并传承.古往今来，龙都是吉祥的象征，也被当做中华民族的图腾.至于龙的形象，早就有“三停九似”的说法.龙不仅是人们一直推崇信仰的神灵，而且是帝王与权贵的象征，只有古代帝王之家才有资格佩戴含龙的设计品.自古以来，龙从来都没有离开过人们的生活，始终凝聚着中华儿女的灵魂.我们中华儿女都是龙的传人，因此不可避免得要接触很多关于龙的事物，例如“龙凤呈样”以及“鲤鱼跳龙门”等，这都体现了人们的美好夙愿以及对幸福的无限追求.直到现在，虽然社会在发展，科技也在不断进步，但是龙在人们心中的地位丝毫没有减弱，且在设计中的应用频次也是居高不下.
3文字图案在现代展示设计中的应用
相较于其他国家的文字，汉字的体系最为完整，结构也最为严谨，充分利用了象形、指事、转注、假借以及会意等多种手法，是极具张力与创意的文字.在研究中国古代文字的过程中，我们不难发现象形字、甲骨文等文字就具有很强的图案性，这些文字对我国传统艺术文化的发展起到一定的支撑作用，图文结合，让中国的传统艺术文化更加的璀璨.正所谓无书不成画，中国古代的绘画一般都叫做字画，可见字与画是不可分割的.据有关的调查显示，我国古老的象形字便是由画转化而来的.从文字的结构来看，我国的文字是符合图案的构图法则的，再加上笔画的长短、粗细、转折带来的节奏感和韵律感，以及不同字体的书法赋予的美感和神韵，让文字在事物的装饰上得到广泛的应用，其中以吉祥的文字最受广大民众欢迎，比如喜、财、福、禄、寿、吉、祥等字.其中，“喜”字在中国人的婚礼中，已经成为必不可少的字画，人们大都将“喜”字并列联结，突出双喜临门之意“.寿”字的利用也是范围极广的.所谓百福寿为先，从古至今，中国人民对“寿”可谓是情有独钟“.福如东海，寿比南山”也已经成为人们对老人最好的祝福.长寿的老人的心境一般是仁爱和平、与世无争的，这也就造就了人们对长寿的老人尊重、敬佩.也正是对“寿”字的这一份特色的情感，使与“寿”有关的吉祥图案层出不穷、丰富多彩，比如在寿桃之中嵌入古寿字，利用民间剪纸艺术，渲染出长寿的意境.
4符号图案在现代展示设计中的应用
在现代展示设计中，由于符号图案能够通过简练的视觉形象，表达出深刻哲学寓意，故而得到了广泛的应用.以最为经典的符号图案之一———太极图案为例，对符号图案进行说明.太极图包含了世界万物的共通的规律，中国古代是极其推崇太极图算，它是一种民族文化精神的象征.正所谓“道生一，一生二，二生三，三生万物.”也就是说天地开始的时候，是从“无”化成了“有_，通过逐渐的演变，才孕育出时间的万物.这种思想在“太极图形”中，表达的淋漓精致“.太极图形”中的外圆代表了“一”，代表了宇宙，也代表了无极.“太极图形”中黑白二色分别代表了阴阳两方，天地两部，黑方白点表示阴中有阳，白中黑点则表示阳中有阴.太极元气，含三为一，其中的“三”就是指由白、黑以及两方的分界线.“太极图”是正、反、合三者有机组成的统一整体.万物由阴阳而化生，故而各具太极.太极图这种黑白流转的图案，体现了中国式的形式规律，它已深深地植入中国的文化中，并在现代展示设计中，得到广泛地应用.
5小结
在现代的设计中展示出中国传统图案，有助于品牌特征、精神内涵以及企业文化等信息的展示，让设计的产品更具内涵，更加生动，以致让更多的消费者喜欢.并且这种展示方式分外的和谐，通过科学合理的处理，变陈旧的图案为新潮纹样，让中国传统图案的形象更加的丰富多彩.结合当下的潮流发展趋势，将新潮纹样画、刻、映射或者变形出来，充分运用于现代结构、装饰材料等方面，并通过现代的建筑内部空间的设计与构建形象的表现出来，让人们既能感受出中国传统意味，又能发现其明显的时代特征.
环境艺术设计课程改革初探论文
摘要：环境艺术设计专业课程体系一直以来是由基本设计理论、基础绘画技能、绘图软件和空间设计等几大部分组成。对工程造价和工程管理方面少有涉及，但从毕业生的就业情况分析，有相当数量的毕业生在工作中都会遇到造价问题，同时经过若干年设计师岗位的磨炼，会有一些设计人员转型到管理岗位，负责工程管理，尤其在大型公共建筑的装饰设计公司和园林景观工程公司，这种人才的转岗比较明显。这样就要求学生在本科阶段应当掌握一定的工程管理和造价的知识。本文就如何在现有的教学大纲的基础上做出相应的课程调整，适时穿插《装饰工程项目管理》《装饰工程造价》的课程教学进行探讨。
关键词：课程改革;课程体系;装饰工程项目管理;工程造价
一、环境艺术设计专业现有的专业课程体系及特色
1.现有专业课程体系
我系环境艺术设计专业的现有课程体系由专业必修课、专业限选课、实践教学三部分组成。其中专业必修课包括设计素描、设计色彩、平面构成、色彩构成、立体构成、中国工艺美术史、西方设计史、设计概论与创意、装饰设计、Photoshop、中外建筑史、设计手绘表达、人体工程学与家具设计、建筑速写、室内设计制图、照明及灯具设计、CAD计算机辅助设计。专业限选课包括3DMAX计算机辅助设计、材料与构造、住宅空间设计、办公空间设计、展示空间设计、酒店空间设计、别墅设计、园林艺术设计。实践教学包括专业实习、艺术考察、毕业论文、毕业创作（设计）。
2.专业特色
环境设计专业是一门应用性非常广泛的实用性学科，是体现人类不同时期人文精神与物质文明的综合学科，是人文科学、美学、心理学、符号学、社会学及现代高科技技术—计算机辅助手段等诸多学科的融合。本专业是在对学生加强基础设计理论教学与设计综合素质能力培养的同时，注重通过对其基础理论、基本技术技能的学习与训练，使学生掌握理论与实践相结合的关系；学生通过在社会市场及设计单位等部门对实际能力的锻炼，掌握与艺术设计相关的设计程序、设计与制作的关系，认识设计与市场、设计与生活的关系，并在实践过程中分析、认识所涉及的材料的基本属性。通过系统地学习，学生能够胜任环境设计中的创意、设计与制作的全部制作过程，并通过对其他艺术设计方向的拓展，掌握相关领域中的设计知识与技能，为其以后学生在相关领域中的发展奠定基础，培养应用型专业设计人才。
3.存在的问题
信阳师范学院华锐学院地处豫南明珠—信阳市，环境艺术设计专业作为本院艺术系的重点专业，成立于。多本专业招生规模逐年稳定增长，教师队伍也在稳中求进。连续两年评选为全院明星专业。但是，自设立本专业以来，培养方案中始终没有设计《装饰工程项目管理》《装饰工程造价》这两门课程，作为科学和艺术相结合的环境艺术设计专业，每年的毕业生大多走进装饰设计工程公司，这两门课程所涉及的内容是学生们在工作实践中经常应用的，从08-10级毕业生的反馈来看，都希望能在本科阶段的学业中能够掌握这方面的知识，这样在公司的实际设计施工工作中，就能避免知识短板，更好地适应实际工作。所以，如何结合本专业教学实际，在现有的教学大纲的基础上做出相应的课程调整，适时增设《装饰工程项目管理》《装饰工程造价》的课程教学，是本专业课程改革的一个重要问题。
二、《装饰工程项目管理》《装饰工程造价》课程的实用价值
1.在建筑装饰设计师的工作内容中的实际应用
一个成熟的室内设计师必须要有艺术家的素养、工程师的严谨思想、财务专家的成本意识。他不仅要完成从构思、绘图到三维制模等完整的设计方案，还要阐述规划自己的创意想法，与装修人员达成观念上的协调一致，同时协调解决装饰过程中的各种技术问题，协助进行室内装饰的成本核算和资源分析。在一个完整的工程项目实施过程中，设计师是灵魂、是主导，他所接触的对象包括业主、施工项目经理、各工种的`工长、工人、监理，以及各主管部门的相关人员如：建设主管部门、规划主管部门、绿化主管部门、质量监督部门、消防管理部门等。在整个项目流程中，设计只是起点，项目竣工交付业主才是设计师工作的终点。所以，设计师要从整体项目宏观的角度看待自己的工作，而不是仅仅做方案、画施工图。这样理解设计师的工作，就会发现《装饰工程项目管理》《装饰工程造价》这两门课程对提高设计师管理项目的能力起着举足轻重的作用。因为《装饰工程项目管理》的主要内容就是从宏观的、全面管理的角度讲解整个装饰工程从立项、招投标到施工施工方案、施工组织设计、现场管理、合同管理、质量管理、安全管理、竣工验收等各个环节的内容及注意事项。其中质量控制部分涉及各种规范、标准，这些内容反过来会指导设计。《工程造价》的主要内容是讲述工程的费用组成及计价方法。任何工程首先要考虑业主投资问题。没有资金的支持，所有的规划只能停留在图纸的层面。所以设计师做方案必须
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