在执行上级党组织决定方面存在的问题及整改措施范文(通用6篇)
2023-06-15
2023-06-27
2023-03-18
2023-07-05
2023-07-06
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在执行上级党组织决定方面存在的问题及整改措施范文(通用6篇)
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中国对抽象艺术的引介从民国便出现,从二十世纪二十年*始,中国美术界先后受到日本和苏联的影响,发展出两种对于抽象艺术的理解方式——比附的理解观与推演的理解观——前者强调去历史化的、审美共通的比对,而后者强调基于艺术抽象一般性规律演进的无差别生成.通过这两种理解观,中国开始生成与西方抽象艺术历史逻辑不同的中国的抽象艺术.随着改革开放后重要的理论观念争论和抽象艺术家来华展览与讲学的影响,抽象艺术在理论观念与创作实践上的本土化要求开始迅速提上日程.随后中国当代抽象艺术在对形式问题、文化关照问题、情感表现问题以及材料问题的回应中正式走上历史舞台,并以多种形式的视觉实验占据着中国当代艺术的一席之地.
本论文研究的时间范围为20世纪80年代至当下,主题是中国当代艺术中的西方模版.
中国当代艺术从发生之初就模仿西方现代艺术的观念、图式、语言逻辑.这与全球化的时代背景,以及西方文化的强势地位有很大关系.中国当代艺术对西方的模仿,这已经不是中国特有的现象,当今世界所有欠发达国家都存在这样的问题.因为发达国家向欠发达国家提供了走向未来的发展途径,他们的经济、文化、政治等都被全球范围的欠发达国家用作参照体系.
中国当代艺术的开端是以西方现代艺术作为模版,它主要体现在改革开放以后,西方思潮大规模传入中国,以及中国结束“xxx”后社会意识形态的变化,而带来的一系列文化上的变化.伴随着改革开放和全球化格局下的中国社会发展,中国当代艺术从精神观念、图像语言等层面上对西方现代艺术进行了全面临习、摹仿、移植、嫁接和融合.随着中国当代艺术自身的发展,中国当代艺术家在艺术创造中,逐步回归到中国文化资源和本土文脉的创新探索中,开始了超越西方模版的初步实践.
本文通过对具体艺术家的具体艺术理念和艺术图像分析,阐释中国当代艺术家是如何学习西方模版,又是如何进行超越西方模版的实践.进而提出在后殖民文化背景下,在全球化的世界格局下,如何重建中国当代艺术的价值观与话语体系.
该文是西方艺术论文范文,为你的写作提供相关参考.
西方艺术引用文献:
本学期选修了近代美术史，由于高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣，使我选学了西方美术史。通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。首先我想先理顺一下西方美术的发展过程：西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术，课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。雕塑师古希腊艺术的灵魂。古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如，雕塑《掷铁饼者》，最初见到这件艺术作品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予了它神秘的神话色彩，让人一下就置身于这种豪迈的气势中。而古罗马艺术在建筑上成就很高。大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。接下来的中世纪美术由于受到教会的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。可能最初学习钢琴的原因，曾经学习过印象派音乐德彪西的《月光》，再了解美术的印象派时我的印象更加深刻。德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。
我查阅了各类资料，加上我一些个人的认识和观点，形成了以下的一些看法。“印象派”这个名称不是画家自己取的，1874年4月，几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览，看展览的人很多，但对于这种新风格的绘画却难以接受。因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品，有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。印象派画家并没有一个组织或团体，也不是想发起一场艺术运动，但这个展览一出来，他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体，印象派这个称呼就这样被人们接受了，而且还把他们称为印象主义绘画。拂晓时分，一轮红橙橙的太阳缓缓升起，挣扎着冲出平静的水面，奋力地划破浓浓的晨雾，露出自己的面目。朝阳，染红了天空，染红了云彩，染红了水面，染红了画布，染红了我们的视觉。三艘小船，早已扬帆，摇曳缓进，沿水而行，由远及近，慢慢行驶出重雾，渐渐淡入到前景，静悄悄的，好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都，隐约约的，好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。日出而作，日落而息，新的一天开始了。这就是莫奈给我们的《日出印象》。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。
而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。莫奈把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。1892年2月至4月中旬及1893年，莫奈在两次大行动中为鲁昂教堂绘制了30余幅油画。他是从三个不同的位置画的。第一个位置差不多选在教堂的正对面，即一家衬衫店。商店内的工人来来往往，使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由于顾客的埋怨不绝于耳，画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。到了1893年，他又选了第三个地方;这一次，他经常从两个不同的角度同时作画，最多时候同时画14幅画，随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间，努力捕捉色调和明暗的变化，树立起其色彩的构架。《鲁昂大教堂》，壮观的建筑形象，完全被强烈的反射光冲淡了，看了令人目眩。建筑物本身的结构似乎被一层厚厚的光所包裹。看上去笔触狂放不羁，实际上是画家在长时间观察后才落笔的。
当莫奈画完鲁昂教堂的连作之后，精疲力竭，视力几乎不能恢复。对太阳光谱如此迷恋，正是这位艺术家的特殊的个性表现。在画鲁昂教堂时，莫奈有时把画架放在鲁昂时钟大街一角的一幢房子里，有时就干脆在大桥的马路上，面向教堂的西大门。从黎明的薄雾画到昏昏目落，不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。庄严的哥特式教堂在他的眼里，成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶，人们已经看不到建筑物本身的结构，只有一层刺眼的复杂的反射光。对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。乔治在一篇题为”教堂革命”的文章中写道：”灰暗的物体，其本身因阳光的照射而获得生命，获得给人们的感官以印象的能力。但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波，始终处于杂乱无章的状态：有时如高耸入云的‘波涛’，有时如风平浪静的‘水花’，有时则像是一场‘急风暴雨’。物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来，我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体，同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子，这是我们现在必须弄清楚的，是画家所要阐明的，也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。”
在这五幅《鲁昂大教堂》的画面上，可以领略不同的色彩感觉。从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心，在光照下教堂的轮廓被冲淡了，显得很微弱，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法，形成大片的碎块厚涂，使教堂具有分量和体积感，深沉而神秘。在印象派绘画出现之前，法国巴黎乃至整个欧洲画坛，都是以安格尔为代表的所谓新古典主义和派占据统治地位。印象派从精神上是对立于古典传统绘画的，强调创新。创新在什么地方呢?风景、人物、裸体这些题材早已被前人画过几百年了，这些题材是不会触怒古典主义和派的。他们不屑于像宗教和文学那样主题性地再现现实，提出应而随意地表现生活与客观物象，注重画家对于现实情境的自我感受和自觉表现，擅长于对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观的自然再现转向主观的精神表现，以迎合新兴市民阶层审美的需求，努力反映印象派具有绘画独立性的美学观念。
因此，他们的创新主要在于画法以及对于题材的态度，其实，印象派画家并不是反对以自然为师，他们离开画室，采用小尺寸的画框和便于携带的油画布及其他材料，就是到大自然中去转瞬即逝的色彩变化，去寻找宣泄自己情感的方式，去发现和创造自己的思想。正如文艺复兴运动使欧洲从中世纪摆脱出来一样，“印象派”的出现，则标志着艺术家从室内走向了室外，从画面的一种近似于“酱油色彩”的调子走向了色彩斑斓的画面，从古典画法的看不见笔触到现在的自由奔放的笔触，从关注宗教题材到表现乡村题材和平凡生活的变化，从客观再现到主观的精神表现等。20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。它在法国取得了最为辉煌的艺术成就，遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地。以上就是我通过结合西方美术史的学习对印象派美术(主要是莫奈的艺术作品及风格)的一些粗浅见解。短短十个周的学习，使我对美术知识认识还很有限，对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足。但是，完成西方美术史的选修后，再鉴赏外国画家的作品时，不再人云亦云，能够提到自己的观点。这或许就是选修西方美术史后最大的收获吧。
摘要：
关键词：
美术论文发表
高中美术课以鉴赏为主，美术鉴赏是在对作品感性认知后的理性追求，是鉴赏者运用自己的感知经验和知识对美术作品进行感受，体验分析和判断。在理解美术作品和美术现象中获得审美体验。美术鉴赏活动不仅能培养学生高尚的情操，还能激发学生学习活动。但在我几年的教学工作中发现单纯的美术鉴赏课教学过于枯燥，一般情况下都是教师在分析作品，学生在欣赏作品，但课堂上学生对艺术作品的热情不会坚持很久。课堂气氛不够活跃，久而久之学生会产生厌倦，不屑一顾的态度。课堂上出现了你讲你的，我干我的情况。针对这种情况我对如何更有效的组织鉴赏课堂产生了一些想法，并用在实际工作中，还是有一定的收效:
一、语言导课的艺术
高中美术鉴赏没有学生动手的内容，这就区别于学生在初中，小学上过的美术课。所以不要把鉴赏课变成千篇一律的你讲他听的习惯。在引课时就要吸引住学生，让学生对本课产生一种好奇，这就要求教师在备课时多下功夫预设出有深度的问题或创设好教学情境。在上《古埃及美术鉴赏》时，我分别在高一(9)和高一(10)班上，导课的方法不一样，效果也大相径庭。在高一(9)班上时，我是这样引课的，上一节课我们欣赏了史前美术，请同学们回顾一下，说说你们的收获，(学生稀稀拉拉的回答问题，明显他们积极性不高)这节课我们继续欣赏古埃及时期的艺术作品。(高中学生学业负担重，在学生的意识里不重视美术课。一些学生出现了懒得复习美术知识的现象)。无疑这样的引课，学生表现出淡漠，学习毫无热情的现象。是而在(10)班上时我提出关于四大文明古国之一的古埃及你知道多少，说说看。刚开始有几位学生脱口而出说:金字塔、法老、木乃伊等，班里一下热闹起来了，出现了很踊跃的回答问题的现象，有几位同学把关于古埃及的历史和艺术作品讲出来，我都大吃一惊，学生的知识量尽有这么丰富!当一位同学讲到关于图坦卡蒙墓室，把关于在该墓中发掘的文物的数量、文物内容到图坦卡蒙的故事一一讲给大家听，尽管他在讲解的时候神情一开始还是有点羞涩，但通过我微笑的鼓励，加上他们对古埃及文化深刻的感受，慢慢的他们的讲解就顺畅了起来，特别是后几个上台的同学，由于有时间为自己的讲述打一下腹稿，他们的讲述尤其精彩。此时的我则站到旁边，把这些同学的讲述同课本结合起来进行系统的总结，引出本课的内容。
所以，经过实践，我认为作为一位高中美术鉴赏教师，要让学生对鉴赏课产生好奇，首先导课是很重要的，所以你是不是在第一时间抓住学生的注意力决定一节课的成败。
二、在理解艺术作品时学生活动的重要性
在美术鉴赏中一般比较重视对理论知识的探讨和理解，教学手段主要是欣赏图片，然后就是你说我说，手段的单一性不仅使学生感到乏味，教师也觉得疲倦，学过的东西很快忘记，所以在课堂上引导学生动起来，不但可以加强学生的记忆，更能加深对艺术作品的理解。如，在上《文艺复兴时期的美术时》讲到《西斯廷天顶画》这幅作品时，讲解了作品的内容，艺术性后。我本人很感动的是xxx由于长期的高空仰面作画，使他的颈椎严重受损，以至后来看书看信时必须置于头顶。我觉得很有必要向同学们讲讲这位大师为艺术的奉献精神，从而能让学生产生共鸣。这时我请同学们头仰起来，手试图在空中作画，尝试一下仰面作画的感觉，有一部分男生调皮的说:这简单，但我说你能坚持3分钟吗，学生回答没问题，我说你能坚持一节课吗学生边尝试嘴里开始犹豫，我又说xxx坚持了4年，而且是站在高18米的脚手架上，其劳作至艰辛可想而知，学生都低下了仰酸的脖子哇的一声，他们通过短短几分钟的尝试，从心底里佩服这位大师的毅力。有一位同学从而联系到自己的学习，他由衷的说xxx的毅力是我们学生学习的好榜样，学生这样的参与，体验后对美术作品和艺术家的理解更加深刻。这样的教学活动收效很大，体验后的人文教育更好的渗透在本课中。
三、创建问题性情境，激发探究欲望
甲方：
乙方：
经甲、乙双方平等协商，本着双方互惠互利原则，依据《^v^合同法》、《^v^著作权法》，《^v^专利法》等法律法规，双方自愿达成如下合同内容，供双方共同遵守。
一、 由甲方绘制的艺术品(油画、国画以及其他等相关艺术品以下简称艺术品)授权乙方从_______________至_______________期间在规定的区域内_______________________________________________销售，并严格执行甲方的营销策略及价格体系，未经甲方书面许可，严禁在代理区域外营销，否则，乙方该销售收入归甲方所有。
二. 不经甲方书面同意，乙方禁止实施复制、复印或进行微小改动等一切侵犯甲方著作权，专利权和商标权的行为;乙方承诺不经营销售第三方仿制侵犯甲方著作权和专利权的艺术品,乙方违反上述两条，应承担违约责任并自愿同意每复制或临摹一幅甲方作品以及营销一幅由第三方造假或复制等侵犯甲方权益的艺术品，都将付给甲方每幅10万元人民币的违约金。
四. 诚信和守法是双方合作的基础,为保证甲方的权益不受到侵害,乙方准许甲方采用各种方式监督乙方,并准许甲方不定期进入乙方经营场所、库房、工作室等场所进行工作检查,如存在侵权或违约行为,乙方需按本合同第二条款承担违约责任。
五.在乙方销售区域内, 如发现甲方艺术品遭到复制、临摹等侵权现象,乙方要及时通知甲方,并协同甲方按相关法律、法规予以打击.如需要起诉侵权人,所需费用甲、乙双方各承担50%,所取得利益甲、乙双方各分得50%。
六. 严禁乙方在未经甲方书面许可的情况下，将甲方提供给乙方的资料、图片以及相应电子版文件交给他人使用。如果乙方违反本条款，乙方要按本合同第二条款向甲方承担法律责任。
八. 乙方可以免费参加甲方组织营销策划，以及销售方面的培训，并得到全方位的技术支持。(食宿差旅费等费用自理)
九. 乙方订购甲方艺术品，款到后十日内发货，如乙方要求特殊题材、尺寸十五日内发货。
十. 乙方在甲方订购的艺术品、包装以及在甲方所在地(市区)运输费由甲方承担，长途费用等其它费用由乙方承担。在运输过程中造成艺术品损坏的，乙方保存的，破损艺术品待甲方验证后双方协商解决。
十一. 甲方承诺,甲方向乙方提供的艺术品,是自主创作或有合法使用版权的艺术品.如因甲方所提供的艺术品造成侵权责任,给乙方造成经济损失,由甲方承担。
十二. 乙方选购甲方所绘制的艺术品,题材、尺寸、数量、单价，经双方确认，乙方将画款一次性付清后，艺术品不退不换。
十三. 乙方取得区域独家代理权，要努力开发市场，接受甲方营销方式方法以及价格指导。如果乙方在营销及开拓市场不能达到甲方要求，甲方有权单方终止合作。
十四. 合同期满后，严禁乙方将甲方遗留下的艺术品、照片资料等进行临摹仿制，如乙方有侵权行为，甲方有权按本合同第二条款继续予以追究。
十五. 未尽事宜双方可另行协商。
十六.合同履约地：北京市通州区。
十七.此合同传真件有效。
甲方(公章)：_________ 乙方(公章)：_________
法定代表人(签字)：_________ 法定代表人(签字)：_________
_________年____月____日 _________年____月____日
本文的研究对象为二十世纪下半叶起源于西方分析美学阵营内关于“艺术定义”之论争的艺术体制理论.从狭义上来说,艺术体制论特指以分析美学家丹托和迪基等人为代表的从分析哲学出发的为艺术下定义的理论；而从广义上讲,艺术体制论也可以是指从体制角度来分析艺术界景观和现象的诸种艺术理论.虽然艺术体制理论在不同研究路径下呈现出不同的面相,但总的来说,它把艺术视为一种体制,将艺术作品和现象置于具体的文化社会背景中加以讨论,将目光从艺术的“本质属性”移向艺术生产、传播、消费和分配过程中所涉及到的制度、行为和各种权力关系,打破了艺术是“纯粹的”这一美学幻象.
通过介绍、梳理艺术体制理论的发生、发展和演变,本文揭示了当代美学发展的一个重要的范式转变：从探寻艺术品自身的“本质属性”的内结构思路,转向以探讨作品与其外在历史、社会、文化语境之间关系的外结构研究范式,换言之,传统艺术哲学和美学的本质主义追问“何为艺术”,在艺术体制理论对艺术品资格何以获得的考察中,被置换为“为何为艺术”.艺术体制论的出现表明,传统美学和艺术哲学在当代艺术实践创新与自身理论发展需要的双重压力下,需要从其他学科(如社会学)汲取理论资源的趋势.美学也该从对“美”的过分关注和一统天下的本质主义思路中走出来,摆脱抽象的哲学思辨的束缚,重新关注生活与艺术的融合.
论文包括引论、正文和结语三部分.引论部分综合论述了艺术体制理论的界定,研究背景和意义及其国内外研究历史和现状.
正文第一章梳理了现代自主性艺术观念的形成以及由此必然出现的本质主义诉求的关系,分析了本质主义界定艺术的路径在面对后现代艺术实践时表现出明显的阐释乏力,而分析美学家们在反本质主义批判中发展出了“艺术不可定义”与从“非显性属性”出发重新界定艺术的两派,后者为艺术体制理论的发生提供了新思路.
第二章阐述了分析美学家丹托的“艺术界”理论的发生和发展.在丹托看来,“艺术界”就是由艺术史知识和理论所构成的赋予某物以艺术资格的体制性环境.文章指出,丹托的这一艺术“类定义”引发了“某物何以获得艺术品资格”的问题.本章进而对丹托围绕这一问题而提出的核心概念“艺术指认的‘是’”、建构性阐释以及作为“理由话语”存在的理论氛围等进行了逐一解析,并指出对艺术品资格的判定和建构因素的讨论不应只停留在语言学层面,而应该深入到社会现实语境中去,这一思路在迪基的体制论中得到了继承和延续.
第三章讨论了迪基以艺术资格的“授予”为核心概念的早期惯例论.首先分析了迪基如何通过对“审美经验”和“审美态度”的解构为建构价值中立的定义铺平道路.继而分析了迪基如何从“第三种关系属性”(艺术与社会体制系统之间)出发和艺术概念的“分类意义”出发,提出其惯例论的核心内容,即艺术品资格的获得是一种艺术体制对某欣赏对象进行的艺术地位的“授予”过程,艺术体制就是一种惯例性的既定实践体系.
第四章主要研究的是迪基后期惯例论以及由此产生的体制论的文化社会学转向.首先概述了分析美学界对惯例论的几种具有代表性的批评.针对这些批评,迪基的艺术哲学思考逐渐从艺术品本体的定义型思维模式转向对艺术界作为文化结构框架的探求.其次,本章对丹托和迪基的艺术体制论之间的异同进行了比较,指出丹托视角中的艺术品所处的“语境”(context)是一种具有形而上学意味的“理论氛围”,而迪基的“惯例论”则比较详尽而实证地阐述了这一背景,因而带有更鲜明的社会学色彩.最后,本章探讨了艺术体制理论在当代分析美学中所引发的文化学转向,指出体制取径已呈现出溢出传统美学所秉持的艺术品本体论视域的趋势,向文化社会学靠拢的趋势.
结语部分总结了艺术体制理论的意义和价值,同时剖析了艺术体制理论所揭示的分析美学所面临的困境,指出体制理论引发了当代美学在思考路径上的范式革命.
摘要：西方美术作品的欣赏是美术教学的重难点问题，中国学生在没有受到西方文化的熏陶下，很难对风格各异的西方美术作品产生深入的理解。另外，对于西方美术作品的欣赏和理解不是一种简单性的自我判断，而是需要在了解美术创作历史、美术批评、美术理论等基础上进行。文章在对西方美术作品欣赏方法探索的基础上，以xxx的《大卫》为例，具体论述西方美术作品欣赏。
关键词：西方美术作品;欣赏;研究;《大卫》
任何美术家的美术创作都需要在一定的历史文化语境和氛围中进行。西方美术作品的创造和发展需要依据特定的西方美术发展历史。西方美术发展历史能够对美术风格流派的特征及发展变化进行介绍，从而加深美术家创作作品的内涵，提升欣赏者对美术作品复杂性的认识。另外，对于西方美术作品的欣赏还体现在美术批评上。美术批评(评论)是一种专业性的谈论，是对美术作品进行解释的重要方式，能够帮助欣赏者以一种客观的态度来理解美术作品，进而提升欣赏者对艺术的理解能力和欣赏水平。
一、西方美术作品欣赏
西方美术表现形式高雅深奥，具有很强的人文情怀，会给人带来一种身临其境的感受，加强对艺术的体悟能力。西方美术发展根本 在于对自身的认识，西方美术在西方指的是一种非公立主义的艺术，是在审美认识的基础上创作出的有形艺术。
(一)美术作品的描述
(二)美术作品的分析
对于美术作品的分析时将美术作品划分为成几部分，将复杂的问题以一种简单的要素来进行研究。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行：第一，美术评论角度。从美术评论角度对作品进行分析一般是超过语言描述的，是进一步对作品创作原因的分析，包括美术作品创造的要素以及创作规则，具体表现为色彩、线条、形状、系统空间布置方面，讲究作品设计的均衡、比例协调以及节奏问题。第二，美术史的发展角度。主要是通过对不同美术家作品的比较，来对美术创作的流派进行分析。
(三)美术作品的.说明
美术作品的说明是为了进一步探讨美术创造的内在含义，了解美术家赋予美术作品的思想观念内涵。对美术作品的分析具体从以下几个角度进行：第一，美术评论角度。美术作品的创作是通过某种信息符号唤起欣赏者的心理反应，这种反应能够对欣赏者的回忆、情感以及价值观形成产生作用。不同的欣赏着受自己阅历的影响对同一种美术作品会产生不同的想法。第二，从美术史发展角度。主要是从美术家的创作背景来对作品进行更深层次的理解。比如想要了解戈雅的绘画作品，就需要了解戈雅所在的社会政治背景。
(四)美术作品的判断
美术作品的判断是针对美术作品的艺术角质，主要从以下几方面进行：第一，美术批评角度。具体表现为对艺术家创作作品风格的判断，比如美术家使用的具象派还是写实派，是表现主义还是情感主义等。第二，美术史角度。需要了解美术作品创作的目的、风格、情感、表现方法等。
二、西方美术艺术起源及发展成果研究
(一)起源
西方美术艺术的起点在希腊，主要发展的高峰时期包括古罗马时期、文艺复兴时期和十九世纪。历史的发展体现了艺术发展的一种普遍规律，且艺术发展的过程中逐渐实现了革新。中世纪时期的西方主要被教会思想笼罩，人们的思想行为及艺术创作深受教会影响，表现为艺术创作缺乏创造力。文艺复兴的发展则是解放了人们的美术创造天性，创造出了无与伦比、流传至今的西方美术作品。在文艺复兴时期，欧洲出现了大量的艺术创作天才，比如xxx、达芬奇等。
(二)xxx的美术艺术作品创作
文艺复兴时期，xxx的作品具有强大的爆发性力量，其美术作品的创作发展带来了文艺复兴运动发展的高潮。xxx对身体绘画的创造具有很强的表现力，在进行人体解剖研究的同时，创作出了展示人体美的美术作品。比如早期的浮雕作品《阶梯旁的圣母》和《山陀儿之战》，以一种朴实、庄重的画风展现了在强烈运动中的人体美。xxx的美术创作具有以下几方面的特点：第一，其宗教题材的美术作品中具有鲜明的人性特色，描写的宗教对象大多是穷人。第二，他的作品体现了时代发展 的气息，比如《大卫》的思想、《摩西。中的愤怒等。第三，作品集中展现了个人思想发展和时代进步发展之间的矛盾，具有很强的悲剧性色彩。
(三)xxx美术创作的作品――《大卫》
大卫是以色列的大王，他在少年时期，是一个牧童，在非厉土人对以色列进行侵略时，大卫到前线给自己的哥哥们送饭。在送饭的过程中遭遇了凶悍的敌人，以色列人不能抵御这种强悍的敌人，大卫用武器杀死了敌人，拯救了整个民族。因此，西方将大卫视作一名英雄，代表的形象是保卫国家的英雄。
在1501年的春季，xxx回到弗洛伦撒，在当年的秋天开始创作雕塑美术作品《大卫》，创作历经三年完成。当这部作品问世时，整个弗洛伦萨热烈欢呼，人们都纷纷来欣赏这部美术作品。xxx没有将大卫塑造成一个牧羊少年，而是将他塑造成了一个青年的壮士，在他身上赋予了一切美好的思想。大卫不再是圣经里的理想人物，而是代表了市民英雄，将人们的英勇反抗斗志赋予在大卫身上，体现了强烈的改造世界的人文主义思想。xxx的《大卫》是一座高为公尺的立像，塑造的是一个肌肉发达、体格匀称的青年男子，这名青年男子充分自信地站着，左手持有石块，右手持有石器，描向远方的敌人，体现了男性的英勇魄力。《大卫》是西方美术发展史上被人们夸耀最多的男性雕塑，赋予了人迷你的抗争精神。
总结：西方美术艺术发展历史悠久，具有很强的人文主义色彩，体现了当时人们对幸福、对理想的美好追求，经过时代的变迁，西方美术艺术在时代发展洪流中愈发地显示出了自己独特的魅力，得到了各国的关注。为此，需要有关艺术人员进一步加强对西方美术史的研究，充分借鉴，在借鉴基础上促进本国美术艺术的创作发展。
参考文献：
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01、《人物龙凤帛画》/战国帛画
02、《长沙马王堆一号汉墓帛画》/西汉帛画
03、《女史箴图》·局部/顾恺之
04、《洛神赋图》·局部/顾恺之
05、《职贡图》·局部/萧绎
06、《竹林七贤与荣启期砖画》/画像砖
07、《鹿王本生图》/莫高窟壁画
08、《西方净土变》/莫高窟壁画
09、《维摩诘经变》/莫高窟壁画
10、《张议潮统军出行图》/莫高窟壁画
11、《游春图》/展子虔
12、《历代帝王图》·局部/阎立本
13、《步辇图》/阎立本
14、《虢国夫人游春图》/张萱
15、《捣练图》/张萱
16、《簪花仕女图》/周昉
17、《高逸图》/孙位
18、《江帆楼阁图》/李思训
19、《明皇幸蜀图》/李昭道
20、《辋川图》/王维
一幅名画的诞生的教案设计
教学目标：
1、通过自学,学生能正确理解“难以磨灭、褴褛、顽强”等词语意思。
2、借助“读、议、感悟”相关练习，理解重点句段。
3、在理解、体会的基础上有感情地朗读课文。
4、了解列宾创作名画的原因及过程，体会他对底层劳动人民的深切同情，同时感受他们身上不屈的力量。
教学重点：
学习名画诞生的原因及创作过程，体会列宾对劳动人民的深切同情，及对他们不屈力量的赞颂。
教学难点：
在重点语段的学习中，学会理解重点句段的方法。
教学过程：
一 、背景解读，感受名画。
1、出示课题，了解名画。
师：今天我们学习《一幅名画的诞生》。(板书课题)，板课题时，我们一起来书写“诞”字。(齐读课题)大家预习了课文，知道这幅名画的名字吗?(板书：伏尔加河上的纤夫)
“纤”这里读qian,它还有一个读音，交流、组词。(让学生在黑板上板出“qian”和“xian” 纤维)
理解：纤夫 (谁能告诉我什么是纤夫?)
师：纤夫就是以拉船为生的人。
2、介绍背景
师：这幅画画的就是在俄国著名的伏尔加河上的纤夫。看看当时的情况。
媒体出示：19世纪60年代的俄国正是俄国历史上最黑暗的年代。沙皇的残酷统治，使得俄国人民生活在水深火热之中。盛夏的伏尔加河气温高达40多度，但是纤夫们为了挣得几块面包，不得不贱价出卖自己的劳动，终年拉着沉重的货物，在伏尔加河上来来去去。)
(指名学生读，)
3、介绍名画
师：这是俄国著名画家列宾的成名作。
媒体出示：《伏尔加河上的纤夫》这幅画。
(1)、画中有些什么?(学生交流)
师：文中是这样写的。
媒体出示：文第一节
(2)、全班一起读
师：你觉得纤夫的工作怎样?(让学生交流：辛苦 艰苦 艰辛……)
师：是啊，他们的生活是这样的艰辛，脚步是这样的沉重，让我们放慢节奏再读读这段话。(指名读，齐读)
二、初读课文，整体感知
师：这幅名画是怎样“诞生”呢?让我们继续学习课文。 (打开书，自由读课文3-7小节，读准字音，读通句子，然后划出表示时间的词语，想想在这些时间段中，列宾看到了什么?或做了些什么?)
1、自读课文，理出时间线索，根据时间概括列宾所做的。
交流板书：
1868年 1870年 1873年
2、简要复述名画的完成的过程。
媒体出示：( 读读课文，填一填：1868年夏天，在涅瓦河畔，一队______的纤夫给列宾留下了______的印象。于是，他____次来到伏尔加河，与纤夫们________，并_____地观察，______地工作，反复修改，用了___年时间，终于创作了名画——_________________。)
(1)填空。
(2)全班齐读。
三、感悟过程，升华情感
(一)找出列宾看到的和怎么做的句子。
师：这段话有几句话?(两句)，第一句写的`是……(留下印象)请你快速浏览3-4小节，用直线画出描写纤夫的话。
(二)交流、相机教学：
交流看到的句子：“天哪……流露出凝重的神情。”
媒体出示：天啊，为什么他们这样-------
1、从这个句子中你读懂了什么?
师：再读句子，抓住“肮脏、褴褛、凝重”等词语，说说你从这些词语中感受到什么?
2、交流：
板书：肮脏 褴褛 ( 留下印象)
师：课文怎样把“肮脏、褴褛”写具体?(引读：有些人的裤子……)师：课文先概括写，后具体写。我们一起来分读，老师读概括的句子，你们读具体的句子。
3、为什么他们这样“肮脏、褴褛”? 难道他们不想穿干净点吗?
学生交流：(不是的，因为他们贫穷啊!谁不想穿好，吃好呢?……)
师：怪不得每个人的脸都是阴沉沉的，神情是凝重的……
师：从“凝重”中感受到什么?(学生交流……沉重，痛苦)
板书：凝重
师：那凝重的神情分明写着他们不堪重负，却还要默默地(承受着)。列宾的心灵受到了震撼，久久不能平静，所以，刚看见纤夫时，他脑海里蹦出的第一个词“天哪”。
这个词里包含什么?该用怎样的语气读?(生说：惊奇 同情 )
师：让我们带着惊讶和同情，再来读读这个词。(生读：天哪)
4、说话练习：
师：这一切都给列宾留下了——(难以磨灭)的印象。
此时，他会想些什么呢?
媒体出示:说话练习： 列宾目送着渐渐远去的纤夫，直到他们消失在视线里，可列宾心中却忘不了 ，忘不了 ，忘不了 ，他心想：
预设：1、我要帮助他们--- 2、我要把他们画下来 ----
师：这些人给他留下了难以磨灭的印象。
**交流怎么做的：(6-7自然段)
过渡：师：纤夫苦役般的劳动情景，激发了列宾的创作欲望，这个想法一直在他心里激荡，两年以后，他终于的机会来到伏尔加河畔
引读：在那里，他和纤夫们生活在一起……
“他仔细地观察着……抚摩那些铁铸般粗壮的手……”
“他勤奋地工作……带着厚厚的一册素描回到了彼得格勒。”
“根据这些素描……于1873年完成了作品《伏尔加河上的纤夫》。”
1、体会重点词句。
(1)出示句子指名读，
媒体出示：他仔细地观察着……
师：这句话中写了列宾的哪些动作?
板书：共同生活 观察 注视 抚摸
(2)观察着---注视着-----抚摸着------，这三个结构相似的短句连起来就是一个什么句?(排比句)
(3)再读读句子，从这一系列的动作中你明白了什么?
(4)师：为了更好的创作，列宾和纤夫们吃住在一起，从生疏到熟悉。在深入生活的同时，列宾从纤夫身上看到了——
学生交流：强壮、蕴藏着无穷的力量、善良。
师：列宾不仅走进了纤夫的生活，还真真切切的走进了纤夫的内心，他看到了纤夫的善良，看到了不屈的力量，看到了民族的希望。有一天这不屈的力量会站起来，贫穷的俄罗斯会有翻天覆地的变化。
(5)感悟敬佩，再读句子。
师：此时列宾对纤夫的情感还是原先的同情吗，而是转变成了——(生交流：喜爱，敬佩、热爱……) 。让我们带着敬佩之情，再来读读这一句。
2、小结归纳、引读6、7小节
师：为了画好这幅画，列宾三次来到伏尔加河——(引读“他勤奋工作……”)
为了画出列宾心中对力量的赞歌，对光明的向往，它更是——(引读“画啊，改啊……，”)
板书：反复修改 顽强
三年来列宾倾注自己全部的情感与心血，终于在——(引读“1873年完成了作品《伏尔加河上的纤夫》。”)这幅画里，他描绘了——(引读“劳动人民苦难……”)
3、结文
三年中，列宾勤奋刻苦地画着，他把自己高超的画技和他对沙皇反动统治的不满，对劳动人民悲惨生活的同情，完美地融入了画中，这一切赋予这幅画更深刻的意义，所以我们把这幅画的完成，称为诞生。(齐读课题。)
四、布置作业，总结全文
1、激发情感，再读课文第一节。
师：同学们，此时我们再一次站在这画面下，我们仿佛听到，远处传来纤夫苦役般劳作的声音;我们仿佛看到列宾正用自己火一样的热情画啊，改啊……让我们带着内心的感动和震撼再来读读第一小节。
板书：
31、一 幅 名 画 的 诞 生
伏尔加河上的纤夫
1868年 留下印象 肮脏 褴褛 凝重
1870年 深入生活 观察 注视 抚摩
1873年 反复修改 顽强
一、现代艺术对现代设计的影响
（一）现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命
19世纪后期，绘画界对现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命。在美术界对构成产生明确认识，是从19世纪的后期印象派塞尚开始的。塞尚的绘画构图及其方法论，与立体造型的构成是相通的。其后塞尚对构成的认识又影响了特朗、马蒂斯、乌鲁克等，使他们建立了“野兽派”。继而又建立起了“未来主义”艺术。“未来主义”又发展为革命的“达达主义”。其表现贯穿着几何的、抽象形态的意识观念。受构成主义、未来主义、立体主义等艺术流派影响，新时代的设计师开始挑战传统艺术形式，开拓了符合新的、工业化时代的的现代设计艺术风格。立体主义是最早地把时间-空间概念转化为视觉形象的艺术派别。它利用相对性原理和同时性原理，把不同时刻观察到的对象同时地表现出来，在画面中表现出更纯粹的几何形态。受此影响，设计师里特维尔特设计的“红蓝椅子”和“施罗德”住宅，把蒙德里安的二维构成延伸到三维空间，成为“风格派”设计的最著名的代表作品之一，是现代主义设计在形式探索上一个非常重要的里程碑。对工业化生产方式的强化对秩序的重要性，设计通过简化体现出秩序感，传统做法被设计师所淘汰。现代设计受到柯布西耶简洁主义所影响，把抽象的几何构成形式看作设计终极原则，反对过度的装饰，注重体现基本形态和强化功能，使理性主义成为设计风格的先锋。
（二）新的艺术和设计形式通过现代艺术和现代设计相互影响而产生
二、结语
现代艺术激进的探索推动了现代设计的革命，拓展了设计的理念和语汇。新的艺术和设计形式通过现代艺术和现代设计相互影响而产生。现代艺术所体现特性与机器大规模生产说要求的的机械化，标准化所吻合，成为工业化时代生产的必然选择。从现代艺术与现代设计它们在本质上始终相互关联，彼此互融。
关键词：抽象 具象 对立 互补
摘要：现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和具象艺术的对立与互补。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。西方现代美术作品中的抽象元素与具象元素大多难以简单地用概念划分是抽象艺术还是具象艺术，他们处于一种变化的统一的状态。
在西方现代美术的范围中去划分作品的风格，从概念上大多以作品形象与自然对象的相似程度来比较。其中的抽象艺术一般是艺术形象较大幅度的变化或完全偏离自然对象原有外观的艺术：其中的具象艺术一般是艺术形象与自然对象总体上类似或极为类似的艺术。抽象艺术发展自具象艺术，源于具象艺术，抽象的本义是人类对事物非本质元素的舍弃和对本质元素的提取。在美术领域的研究和应用中，抽象艺术和具象艺术共同构成一对相互关联的基本概念。西方现代美术中的抽象和具象发展在不同的阶段，两者之间的对立和互补的关系也在不断的发生着变化。
一、印象派中主观具象的发展
印象派的出现和发展改变了西方美术界对艺术的认识，同时对西方现代美术产生了深远的影响。印象派画家用科学理论中新发现的新色彩理论，观察到物体本身并没有永远固定的色彩，颜色随着环境与时间而不断变化。作品表现的不单单是物体本身的色彩，而是光线在物体表面呈现出的变化，表现的是画家的主观视觉世界。是在具象的物体基础上发挥主观的视觉感受，作品描绘的是具象事物，但色彩上呈现的更多的是主观感受，这种主观感受多少夹杂着抽象的因素。
后印象派不满意印象派过于依赖感觉和自然，流于瞬间，他们认为光靠眼睛是不够的，还必须思考。后印象派的绘画是在大自然的面前长期观察思考的结果，而不是自然中短暂瞬间效果的快速记录。后印象主义画家的作品不再刻意表现光线，而是强调主观感受，主观感受是一种抽象的物资。印象派对二十世纪初期的立体主义、原始主义和表现主义等现代美术流派的观察方法和风格发展产生了很大影响。
二、现代主义艺术中的抽象与具象
在近现代科学技术高度发展的西方现代社会，人类改变自然的能力是越来越强。但是人与自然、人与社会、人与人之间的关系却日益复杂和严重。现实世界处于两难境地，出现抽象艺术和其象艺术的对立与互补。象征主义发起于法国，艺术家受高更的影响，反对写实主义，相信艺术是内心的召唤，情感和意念成为他们艺术创作的出发点，随意表现人的精神状态，包括梦中所形成的象征符号。精神、情感是一种抽象的物资，如何把这种抽象具体化，艺术家采用熟悉的具象的形态的组合来表现抽象的内涵。
野兽派是典型的具象和抽象的结合，野兽派发起于法国，最具代表的领军人物是马蒂斯。曾经受到黑非洲雕刻艺术的影响。他们的特点是受梵高影响，反学院派，惯用红、绿、青、黄等原色，喜用大笔触、单纯化的线条，情感真挚外露，富于激情。野兽派的艺术家的作品线条单纯，虽外形没有完全脱离具象，但线条的组合，色彩的搭配，形状的分割，已有抽象的意味了，是介于抽象与具象的完美统一，是抽象与其象互补的完美体现。
立体派是典型的抽象表现形式，立体派和野兽派一样发起于法国，立体派受野兽派及非洲黑人雕塑的影响，将自然的形象还原为几何学的图形，将不同时间、不同角度所获得的景象组合在同一个静止的视觉形象上。立体派的代表人物有xxx，波拉克等，立体派的作品都是经过提炼的几何形，同时又是多空间事物的同一空间组合，虽画面整体是抽象的，但从画面中还是可以找到具象的单个造型形态。
三、二战后美术中抽象艺术的多元化
二战后经济复苏，社会发生了质的变化，科学技术彻底走向了反人本主义的境地，形成了科学与人相互对峙的局面。在这样的生存语境下，构成二十世纪现代人本主义核心的不再是以科学技术为基石的理性主义，而是反科学、反理性的非理性主义。艺术作为时代思想的形象表征，具有了浓烈的反现代的后现代主义色彩，出现了与传统艺术流派皆面目全非的后现代艺术。
二战后形成的艺术风格名目繁多，如波普艺术、新达达艺术、新具象艺术、综合艺术、最少派艺术、观念艺术、环境艺术等如潮水般涌来。后现代艺术以反历史、反传统、反宏大叙述作为起点，追求个人言说和标新立异，各说各调，并非追求一定的理论目的，有较大的偶发性，常常匆匆而来，又匆匆而去。艺术以抽象或具象或抽象与具象的结合的形式来来去去，也反映出抽象与具象既对立又互补的复杂关系。
后现代主义艺术不管形式如何多变，都是以抽象的观念为中心，通过各种具象的形式、行为表现出来，使艺术从单纯的架上发展到更多元化的表现形式。
四、后现代美术的新动向
在后现代美术的发展中，观念艺术、波普艺术、环境艺术等流派的艺术家在创作中不断的挑战绘画的固有形式，希望取消架上绘画。但在进入70-80年代后，传统的架上绘画并没有逐步的走向消亡，而是打破原有格局，重新的迅速发展起来，成为西方70-80年代后现代美术的艺术主流。
在这股后现代艺术风潮中产生的重要的新一代艺术家代表就是德国新表现主义画家，他们对后现代艺术的风格产生了巨大影响。这一流派是70-80年代西方后现代美术中影响最为明显的力量，它撼动了美国在当代艺术发展的中心地位，而且还开创了新的当代艺术精神，给此后十余年的西方美术发展奠定了新的方向。新表现主义是德国在特定历史时期和文化环境中混合构成的，它在核心理论上接受当时流行的存在主义哲学观念，在创作实践中融合抽象表现主义的艺术风格，特别讲究在绘画过程中的情感突发和即兴处理，追求原始的、粗狂的、简单的美学风格，主张绘画要以本来面目出现，探索内容和形式，注重造型和色彩。新表现主义把具象与抽象同时运用，加以表现现实与荒诞的处境，增强绘画本身的感染力。
C：主要考核学习者的形象记忆能力和形象感知能力，以及视觉想象力和线条表现力。能正确运用工具材料；形象感知能力较强，观察力较好，形象生动，构图合理，线条有表现力，视觉效果舒适。
B：主要考核学习者的造型理解能力、形体塑造能力、空间表现能力、观察能力和素描综合表现能力。能熟练使用工具材料，有较强的空间、造型、结构理解能力；观察方法正确，绘画步骤合理，形体塑造较为深入，构图完整，视觉效果生动。
A：主要考核学习者的造型理解能力、形体塑造能力、空间表现能力、观察能力、创作能力和素描综合表现能力。能熟练使用工具材料，有很好的空间、造型、结构理解能力；能掌握写生造型的一般规律，形象生动；能掌握整体的观察方法和合理的绘画步骤；能将表现对象的视觉特征做合情合理的变体发展，进而能根据命题进行独立创作，有一定的情趣和意境；形体塑造深入构图完整，视觉效果有艺术感染力。
儿童画
C：主要考核学习者的形象感知能力，观察生活能力和简单画面绘制能力。对形象有较好的感知能力，能够进行临摹；对生活有一定的观察。能够简单地概括出描绘对象的主要物征；画面具有一定的想象力；能够正确运用工具材料进行画面创作。
B：主要考核学习者的造型、动态表现、空间表现、速写、默写能力以及画面风格绘制技巧。能够设计具有一定风格特色的角色造型；并且能够运用速写、默写经验为人物设计动态造型；能够绘制具有一定风格特色的画面。
A：主要考核学习者的整体画面设计能力、创造能力、叙事能力。能通过绘制画面清晰地阐述所要表达的主题；能够通过画面明确表述画面内容；能够较好地掌握绘画技巧。
C：对笔墨知识有所了解，并能以所掌握的表现方式表现自己感觉最深的山水，花鸟，人物，构图恰当，色彩自然。较好掌握笔墨技巧，讲求笔力和墨色的变化，色彩的运用，并具一定的造型能力。
B：主题明确，用笔熟练，并融会一定的传统技巧，构图恰当，色彩协调，有一定的意境及美感，题款用印与画面统一。
A：具备较好的绘画能力和较鲜明的个人特点，笔墨舒畅，画面自然生动，构图完美统一色调和谐，层次分明，能表达出较高的意境和较好的形式美感，题款与用印位置恰当，风格与画面有机统一。
名画《向日葵》鉴赏
初次看到《向日葵》的时候，就被它的这种强烈艺术品味震撼了。
这幅画有别于我看到过的所有画植物的画。另外的画，要不是表现花的娇美，就是变现树的挺拔。但《向日葵》就不同了。这一朵朵向日葵，就好像有美丽却又有些害羞似的。还有些三五成群的拥在一起，像好伙伴似的。梵高在生命一样，有的昂首怒放，充满朝气。有的半开半闭着，好像想展示自己的画的时候，运用了许多黄色。在这么多的黄色中，我竟找到了一些似乎看起来很不般配的颜色，蓝、红、黑。在这些不般配的颜色色背后，我似乎也找到了些梵高那超出凡人的想象和思想。
我想，这就是《向日葵》的魅力吧。不同的人看就有不同的想法，让人百看不厌。总之观者在观看此画时，都为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤。
1 印象派的诞生
19世纪六七十年代，西方画坛初步诞生了一种独特而又新颖的画风，完全变革了古典艺术的绘画素材以及绘画手段，新兴的绘画思维与审美品位吹拂艺术的殿堂，印象派由此产生。19世纪的主要美术流派有：古典派、学院派、浪漫派、写实派、印象派。印象派在对这些流派的或反对或继承上发展出了它所独有的新面貌，不同于古典派、浪漫派的“崇尚理想”，更不同于学院派的“闭门造车”，印象派与写实派在描绘现实生活上还是有接承衣钵的感觉。但印象派与传统流派的绘画风格有很大出入，印象派摒弃了古典画派的古板与浪漫主义的浮夸，脱胎于传统思想之中。受益于光学理论的发展，印象派画家感受自然中的色泽，聆听自然的动人旋律，捕获自然的光和影，通过手中的画笔，勾勒出心中的色彩，描绘画家独特的感受。例如，印象派的起始作品，克劳德·莫奈的油画《印象·日出》即是运用光影的代表之作。光线与色彩的运用是印象派画家的代表绘画手法，他们透过眼睛捕捉到事物的闪动点，再使用手中的画笔重现记忆中的感受，印象派的名称由此得来。画家描绘自己印象中的事物，竭力突出自己的主观感受，将自己对自然的热爱，对自由、平等的渴望淋漓尽致地展现出来，在当时犹如海啸般冲击着传统绘画观念，在西方美术形式变革中起到无可替代的领头作用。
2 新印象派的发展
新印象派的产生，是源于印象派融合十九世纪后期实证主义以及科学乐观主义两大思想，解决传统印象派色彩表现不严谨的问题。新印象派在绘画过程中结合科学手段，严格分析光影，通过构建色点排列组合完成绘画。另外，构图手法上使用坚实的数理分析，通过装饰处理后形成新的印象派画风，即新印象派。代表人物有修拉与西涅克等。新印象派与印象派的不同点在于，新印象派更关注科学理论的研究，例如，新印象派参考法国化学家米歇尔·欧仁·舍夫勒尔完成的《色彩的谐调与对比原理及其在艺术中的作用》，完善了绘画色彩的科学分析，形成了一种绘画理论。
3 后印象派对西方美术形式的巨大影响
后印象派是西方较早的主观绘画，是现代艺术的起源。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统。印象派与新印象派都着重于对光学、色彩的探究，能够充分利用光影、颜色完善绘画手段。然而，印象派画家对绘画事物的感受仅仅止于表面，绘画展现出来的内涵只是画家看到事物那一刻的印象，忽视了事物本身的价值和意义。面对印象派绘画过程中的这一问题，十九世纪80年代法国的部分画家，开始呼吁印象流派要突出画家主观感受，挖掘事物的本质内涵，在绘画过程中逐渐运用光彩、事物形态的表现性因素，后印象派以此为契机产生。
（1）后印象派的绘画艺术风格。后印象派的英文名称是“Post—impressionism”，而“post—”这个前缀词有着“后于……与……对抗”的意思，它其实是对印象派的一种反叛，它并非一个流派，而是印象派之后出现的一种绘画现象，它没有供人交流的社团场所，更没有共同的艺术纲领与组织宣言。没有相似的艺术风格，但是却又有共同的绘画理念，即在绘画中不拘泥于事物的客观物象，通过挖掘事物的本身价值充分展现画家的主观印象，而这也是后印象派区别于印象派以及新印象派的关键。后印象派的画家有着多种多样的绘画风格，有的擅于把握事物的形态结构以及主观重量感，用画笔改变事物的体积形态来展现其自身特征；有的擅于运用光影的强弱以及画笔的力度，利用激昂的笔触挥发内心对自然的热爱；有的擅于在理性中释放强烈的情感，利用独特的平涂绘画方式以及装饰性的画风挥洒胸怀。后印象派各个画家之间拥有着各自独特的画风，艺术风格千变万化，但他们都拥有一个共同理念，即在追求事物本质特征的过程中把握主观感受的再生，不断挖掘新的绘画艺术表现形式与方法。
（2）后印象派的代表人物。后印象派的独特绘画风格严重冲击了西方传统美术形式，而后印象派的代表人物则是凡·高、塞尚以及高更。他们三人是后印象派的巨匠，是后印象派的引领者，是现代绘画艺术的先驱。后印象派的三大巨匠在他们的作品中淋漓尽致地展现出他们对事物形态结构的肯定，以及对色彩装饰、光影、绘画艺术设计、变形手法的充分运用。
塞尚完全突破传统的艺术绘画手法，专注于自己的内心想法，通过有意识地筛选并结合结构的理念将事物完整的展现出来。塞尚擅于把握事物的结构，注重理念观点以及绘画整体美感，重视绘画要素的排列次序。塞尚追求绘画艺术的坚实结构以及理性与自然的完美结合，塞尚终其一生都在为他理想中的拥有质感、体积感、稳定感的事物坚实结构而探索。例如，塞尚的作品《静物》、《圣维克托尼尔山》，在对事物的理性分析中挖掘结构特性，结合内心主观感受，完成极具现代气息的绘画艺术作品。塞尚独特的艺术绘画追求推动了西方美术形式的变革，解放了人们拘束的传统绘画思想，是当之无愧的欧洲现代主义之父。他主要影响了现代主义中结构主义的发展。
凡·高与塞尚不同，塞尚追求事物的坚实结构，而凡·高则注重于人性的表现。例如凡·高的作品《向日葵》、《自画像》。都是运用快速连续的笔触以及夸张的绘画方式，激昂地表达自己内心对生命的感受，赋予作品深沉的内涵。他主要影响了现代主义中表现主义的发展。
高更与前两者不同，主张利用记忆中对事物的印象进行创作，追求艺术绘画的纯真。例如高更的代表作《塔希提岛的少女》、《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。高更运用简单而激烈的色彩，豪放的笔触，描绘出自然而清新的原始美感。他则主要影响了现代主义中象征主义的发展。
（3）后印象派对西方现代艺术的影响。后印象派完全违背西方传统美术形式的绘画原则，给艺术领域带来新的绘画思想与创作观念，启迪了现代主义艺术。后印象派的两大主张：主张着重于理性观念的把握，重视事物的结构性，以及主张画家内心情感的表达，则引领着现代艺术的前进步伐。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，强调了绘画的立体感与风格独特化，也使绘画的构图更具有力度，放大了艺术家的思想界面，是西方现代艺术的起源。
4 结束语
后印象主义的出现推动了西方艺术的前进，颠覆了传统艺术逻辑，为今后的现代艺术提供了新的观念与创作手段，带领着各个绘画流派摸索新的艺术发展道路。
那张名画作文
冷风飕飕吹来，轻而易举攻下我的防御系统，眼前这幕景，使我的心房情不自禁的将锁一个个解开，待“它”探索我内心最深处的心迹。
我走进了这空洞虚无的`时空，一抬头，“哇！”蓊郁高大的树林，隐蔽了我的视线，但却给人一种气派俨然的威严感，每棵树都犹如用无情冷酷的眼神看着我，盯着我向前进，像是在指引些什么……，“砰！”心中捶下重重一击，多哀愁的夜啊！像是神秘的夜女士，时而湛蓝，时而黑，弥漫着忧郁的气氛，但是月先生，却温柔的散发光晕，静静陪着夜女士，并召集星星孩子们为夜女士散发耀眼光芒，加油打气……。
我回到现实，看着身旁这位憔悴而苍白，硬撑着身子到外头透透气的病人，我轻抚她日渐灰白的秀发，为她静静盖上被子。再次凝望着这片星空，我多想像月一样，能守护着我最挚爱的亲人，使她像夜一样永久陪伴着我，而不是像树林里的枯叶，随时准备掉落，凋零在这个时空，而随风消逝、远走……，触到伤心处，内心如海水般波涛汹涌，悲伤与无能为力的痛，随着一条条涓涓细流，滑落脸庞，一颗颗珍珠滴上草地，彷彿使这片草原也跟着怏怏不乐，啜泣了起来。
我爬起身，像是领悟些什么似的，了解到只要默默的支持着她，用爱的光晕包围着她，也会有那么一天，夜能喜悦起来，健康的朝我挥挥手，看！现在的夜，不就转为漂亮的宝蓝色，甜甜的对着我笑吗？
冷风再次吹来，我却只感到一阵凉爽的微风，沁入我的心脾，真希望能再一次“旧地重游”，回到那段美丽时光，再次走进──梵谷的星夜。
作为一个美术管理人，一天面对大量的美术作品审视，那么，我们该如何去快速地审视一个美术作品呢?其实审核一个作品无非是看作品有无偏离视觉标准的那个度。老调重弹，依旧是围绕我之前提到的几个要点来作为审核作品的那个度：构图，调子，元素和内容。下面将通过banner，
因为广告banner的尺寸限制，所以，在审核的时候也最快能看出是否是一个及格的美术作品。下面用几个比较典型的作品来说明一下：
以上bannner广告一眼看上去，问题在于：调子色彩上背景色运用了浑浊的颜色(这里顺带一提，做美术设计千万别运用带灰的浑浊颜色，会显得脏)。文字选用与布局上混乱无层次及前后视觉顺序，里面涉及的颜色老土怀旧，例如右下角的button，在审核后把意见回馈给设计师后会看到一下改进：
显然易见修改前后的初稿banner广告背景色明度清楚，标题文字排版合理，字体新颖了点，加上点缀的创意表达，继续优化则是合格的作品，修改前后设计感起码相差了1年。
商业设计总会碰到很多商业色，例如蓝调，经常会碰到，好像以下的banner背景的色调与其他设计感都是属于比较浑浊的，应该提醒设计师多运用商业用的明快色调，例如再下图
banner设计因为时效性和频繁性，一般投放时间往往不是很久，因此一般审核时候注意广告是否清晰明了便及格过稿，不适宜太雕琢花太多心思，我们需要人力投入到其他大的A,B级项目。
那么如何的banner一般能一次性通过呢?请看以下例子：
黑格尔对艺术美有着明确的定义：美是理念的感性显现，理念相当于艺术的内容，艺术的形式就是诉诸感官的形象，而艺术要把这两方面调和成为一种自由的、统一的整体。黑格尔认为，艺术的黄金时代已经过去，在希腊和中世纪晚期，人们更注重主观理念的演化，而相比之下，现代的艺术则更加偏重理智文化。
在黑格尔的年代，也就是18 世纪末至19世纪上半叶，法国大革命为整个欧洲带来了思想改变的风潮，人们开始质疑权威和传统，强调理性，并且开始朝个人主义方向发展。这个时期，人们对艺术的观念也产生了变化。艺术家们开始寻求一些新的题材来进行创作，其中历史和革命题材首次大量进入了人们的视线。此时，新古典主义画派崇尚理性的表达，追求复古的精神，重视艺术在人民中所起到的道德教育。他们所选用的题材都是比较严肃的历史题材，重视形式，倡导形式美的原则，摒弃鲜艳的用色，主张减弱画面的色彩。黑格尔美学中对艺术的内容和形式的自由统一的要求正适用于新古典主义画派的绘画风格。
法国新古典主义画派画家雅克·路易·达维特（1748—1825） 的《马拉之死》描绘了法国雅各宾派革命领袖之一马拉在浴室中被杀死时的情景。我们在欣赏这幅画的时候，能够明显地发现达维特的创作并非是情感冲动，而是一种对完善过的理念的表达。他并没有百分之百地还原马拉死时的画面，而是通过精心的设计塑造出一个在生命最后一刻仍在工作的英雄，这毫无疑问地美化了革命派的形象，并且成功地体现了他所想要体现的理念—具有一种政治煽动性的效果。
同样的例子我们也可以从他早些时候的另一幅作品《贺拉斯兄弟的宣誓》中找到。这幅作品描绘了古罗马时期贺拉斯家族的三兄弟代表罗马与伊特鲁利亚的古力茨亚人为避免大型厮杀，将以三对三决斗的方式决定罗马城和阿尔贝城的归属问题的故事。画面表现了在出征前，贺拉斯三兄弟的父亲鼓舞儿子们为了大义而勇敢奋斗、不怕牺牲的场景。由于罗马人与古力茨亚人有联姻关系，旁边的三位妻子正在为自己的丈夫和家人而哭泣，与表情坚定的三兄弟相对比，整幅画面体现了强烈的戏剧效果。这幅画表面上叙述了一个历史事件，实际上联系当时法国大革命的背景，正是在提倡一种为了革命和大义而不怕牺牲自我和家庭的大无畏精神，呼吁人们加入革命的队伍，这幅画的政治作用可见一斑。无论构图方面还是在严格遵循古老的法则，三兄弟的位置和画面上方的留白比例都是经过严密设计和计算的。达维特通过这幅作品，旗帜鲜明地体现了他当时的政治理念，这正是黑格尔美学中所强调的理念和形式的完美统一。
随着1794 年热月xxx的结束，雅各宾派的覆灭使作为雅各宾派主要负责人之一的雅克·路易·达维特遭遇了牢狱之灾。这一巨大的人生变革使他思考起自己过去的行为和思想。出狱后的达维特看到社会的现状，丧失了对革命的信心，在这样的情绪中，他创作了《萨宾妇女》。从这幅画中，我们可以明显看到画家的心境和理念发生了巨大的转变。它表现了已经育有儿女的萨宾女子冲到战场上来阻止自己的父兄和丈夫战斗的场景，画面中心张开双臂的女子，仿佛在大声呼喊着停止战争，这正代表了达维特此刻的心情：渴望和平。这个时候，画家理念的改变使得画面的题材和表现发生了变化，即使理念发生了改变，在达维特的作品中，我们仍然能够找到画面和画家理念的统一。
进入19 世纪，达维特受到为了进一步巩固自己统治的拿破仑的邀请，进入皇宫为王室作画。他从1805 年开始创作《拿破仑一世加冕大典》，这幅画是为了纪念拿破仑在1804年2 月2 日于巴黎圣母院隆重举行的国王加冕仪式。当时拿破仑极其傲慢地让罗马教皇亲自来巴黎为他加冕，并且亲自夺过王冠为自己加冕。达维特为了避免尴尬，特地将内容更改成拿破仑为皇后加冕，既突出了拿破仑作为皇帝的中心位置，同时也没有令教皇太过难堪。此时的达维特已经成为拿破仑的追随者，这幅画充分体现了拿破仑的地位和气势，也能从中看出达维特心境的转化。
《受胎告知》是常见的宗教题材绘画，描写的是圣经里的故事，故事出自新约·路加福音：一日天使加百列奉神的差遣到拿撒勒，告知已许配约瑟的童xxx利亚，她蒙主恩，将产下神的儿子---耶酥，天使加百列奉神的差遣把这个消息告知了玛丽亚。
画面人物姿态轻盈富有动感，形象描绘生动。天使与马利亚的手势相互呼应，使画面有交流感，自然而然地流露人物感情。
这幅《受胎告知》为安杰利科所作，为一幅祭坛画 ，作于1440～1450年间，230×321厘米，现藏于佛罗伦萨圣马可修道院。画面纯洁温馨，使人看起来觉得非常美好优雅。天使抱臂向还是处子之身的马利亚告知她受到圣灵感召而怀了孕。正在看书的马利亚端庄的坐在凳子上，平静的接受这个消息，头微微前倾，专注地听着天使的诉说，马利亚没有对这个消息表现出太多的情感。画面整体给人以优雅温馨的感觉，画面中建筑与人的比例不和谐。不能和你好的将人物融合在景物中。
达·芬奇(Leonardo Da Vinci， 1452-1519)，代表作《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》。
这幅《受胎告知》为达芬奇所作，作于1472-75年。加百列左手持白百合跪在画面左边，圣母坐在右边，构图并没有什么创新之处。画面整体以深褐色为主，他选用对称的形式， 画了跪在草坪上传达神旨的天使， 和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性。马利亚的神态虽然平静， 左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃， 怀疑她是否听错了天使的话。她举起的左手和天使的右手形成和谐的呼应，使画面中人物的交流气息很强烈，使画面升生动，有气韵。美丽的大院字是运用焦点透视法来展现的， 宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子， 显得更加华贵。达·芬奇兴趣广泛，除了绘画，他还对自然科学感兴趣，通过自然科学的方式研究透视学，并在自己的画作中不断试验用透视法描绘真实的世界。圣母衣服的褶皱已经能表现出人体正确的解剖结构和衣服的质感，细腻的明暗表现更让衣皱显得真实、立体。两个人物身上的衣褶流畅自然。人物不能与景物很好的融合在一起，风景与人物的比例并不协调，风景只是人物的背景，无法达到人景交融的效果。这幅画还是会显出一下呆板，与波提切利的相比较来说，不是很生动活泼，没有很强的动感和气韵感。
简提列斯基(Orazio Gentileschi， 1562-1639)是意大利人，他的画形象描绘细腻，不露笔痕，富有质感和量感。起初他是样式主义改革派的代表画家，后追随卡拉瓦乔(Caravaggio， 1573-1610)的画风和选材，没有太多个人建树。后者的作品常被认为是巴洛克艺术的代表，豪华而极富浪漫主义色彩。
这幅《受胎告知》属祭坛画，最初为梅罗德收藏，故又称《梅罗德祭坛画》，全画分三个画面：中间为主体画，描绘天使驾临玛利亚的闺房传达上帝旨意;耳幅分别是供养人英加布列赫特夫妇像和圣徒约瑟木匠像。画面虽工整细腻，但画家并不着意于人物精神刻画，也不紧扣情节表现，天使仅作告知手势，而玛利亚则视而不见，听而不闻地在读圣经。画家更着力于借宗教故事，描绘人物的生活状态和环境道具，真实生动地刻画各种生活用品的质感和环境的空间感，显示出尼德兰传统细。
画面中加百列手持白色百合花单膝跪地，神情安详的圣母俯头聆听天使的教诲。光从画面左上角的窗户射入，一只鸽子出现在窗口。画面优雅动人，人物刻画极其精致华美。画面构图没有特殊之处，人物平实无华，圣母在专注的看书，并没有对突如起来的消息有惊愕的表现 。
以人为本 以读为本
评《一幅名画的诞生》
执教者:杨妍
评课者:施晓红
很有幸能亲临附小,在现场观摩这么多优秀青年教师的风采.现场的感受是如此的震撼,如此的亲近,如此的投入,以至于我的整个思绪和身心都沉浸入那一堂堂精彩的展示课中.
在我所听的课中,杨妍老师的《一幅名画的诞生》给我留下了深刻的印象.杨老师以其智慧的语言,丰富的表情,激情的投入,带领学生入情入境地走进了《一幅名画的诞生》这一课.整堂课情感充沛,激情四溢,在独具匠心的设计中,在精彩分呈的对话中,在诗一般的语言中,学生学的明白,学的充实.
抓住主线 条理清晰
课伊始,杨老师就以这幅名画为突破口,伴随着低沉悠扬的号子声,声情并茂的讲述这幅名画的知识.低缓的音乐,那暗沉的画面,使学生很快融入到课文所描写的意境中,让学生有了更为直观的情感体验,为学生更好理解课文打下感情基础.随后,杨老师让学生找出列宾创作过程中的三个时间,以〈伏尔加河上的纤夫〉的创作时间为主线,将课文分成主要三个版块,以文中三个时间为结点,一下子就使学生理清了课文的脉络,对课文有了初步的认识.整堂课思路清晰,过渡自然.在课的最后,杨老师利用板书让学生回顾这幅名画的创作过程,显得顺理成章,整个过程水到渠成,体现了教学的层次性和完整性,最后让学生在情感上产生共鸣.
以读为本 以人为本
《一幅名画的诞生》文本内容距离学生的年代已经久远,那样的情景是四年级的学生无法体验,更难以琢磨的.在教学中,杨老师善于把握课文内容,以读为本,注重引导学生在读中感悟,让学生通过朗读来表达自己的感悟,真正做到了以读为本,以人为本.为了帮助学生理解当时的时代背景以及列宾为何要画这副名画,杨老师抓住文中的关键词和关键句指导朗读,在身临其境的多媒体的辅助下,学生有侧重点的朗读,使学生走进名画,走进列宾当时的情感,从而更好地理解课文,让学生感悟到底层劳动人民身上无穷的力量,由衷地产生对于不屈不挠的可贵精神的赞美,同时引发对剥削统治阶级的憎恨.同时,杨老师在朗读上完全体现以人为本,很注重学生自己的情感,比如:假如你是列宾,看到这个情景有什么感触 让学生边读边思,在思中领悟,在读中体现.不是一味的不同形式的朗读,杨老师的每一次朗读都有目的,都留给学生自己内化的空间,如:你是一位画家,你会怎样构思你的画呢 从而使学生体会到列宾创作的过程及其对纤夫身上不屈力量的赞美.
语言训练 恰到好处
杨老师的语言训练,不是停留在文本表面.她从深层次地挖掘学生的思维力度.在学习列宾为了更好的创作所以与纤夫一起生活的时候,杨老师适时引入课外的阅读材料,让学生会读,更加会用,将课外的文本和课内的文本结合起来进行语言训练.同时,老师运用丰富灵活的多媒体,让学生感悟,如描写纤夫的一段,教师设计他们的年龄不同,有的( );他们姿态不一,有的( );他们神情各异,有的( ),这样的语言训练学生不断学会思考,学会组织语言,更会更加仔细的观察画面,精心思考,将文本内化,使学生的能力又上了一个台阶.
杨老师的这堂课在诗一般的意境中进行,给人以美的享受,因此这是一堂非常成功,值得借鉴的课.从杨老师的课上,我看到了对于文本的钻研,对于教材的把握,对于课文空白点的挖掘,对于整个课堂的驾驭.更要学习的是杨老师诗般优美的语言和流畅自然,深情的过渡语,这些都是我以后要不断努力的方向.
班级 姓名
一、填空：
1868年的夏天，列宾受同学之约游览涅瓦河，看到 ，这情景给他留下了 印象。两年后，他 ，终于在1873年完成了作品《伏尔加河上的纤夫》。
二、说说涅瓦河边的哪些情景给列宾留下印象？
三、划出描写列宾创作这幅画的语句，说说你读懂了什么。
四、仿造课文第一小节，选择一幅画进行介绍。
五、阅读练习。
齐白石画虾
dàmínɡ dǐnɡ dǐnɡ的齐白石早已是家喻户晓了，但一提起他，我们总会bù yūe ěr tónɡ地想到他画的活灵活现的虾。灵动而呈半透明质感的虾在水中嬉戏，或急或缓，时聚时散，疏密有致，浓淡相宜，情态各异，着实惹人喜爱。然而白石老人取得这样前无古人的成就却是来之不易，据说他画虾先后竟历经八十六年， 真是千锤百炼才打造了“白石虾 ”。
齐白石老家有个星斗塘，塘中多草虾，幼年的白石常在塘边玩耍，从此与虾结缘。儿时欢乐的情景也成了他每每题画的素材。
为了画好虾，他在案头的水盂里养了长臂青虾，这样就可以经常观察虾的形态并写生，能更好的了解虾的结构和动态。
再以后，他在观察虾的过程中，将虾的进退，游的急缓，甚至斗殴，跳跃等情态统统收于笔端。
七十岁以后白石老人画虾已基本定型，但仍在不停改进，使其趋于完美，八十岁以后他的虾画得已是炉火纯青。画虾仅仅是白石老人的雕虫小技，在他的艺术宝库中千百幅艺术珍品静待我们去观赏学习。
1. 根据拼音写词语。
2. 文中哪句话描写了齐白石画的虾？用直线划出。
3. 人们提起齐白石就会想到他画的虾，为什么他能将虾画得如此活灵活现呢？根据文章找出原因。
1. 你是可爱的男孩，慢慢的能独立的作画，画画也进步不少，希望以后要自己大胆的尝试，相信自己会很棒。
2. 你是一个懂事的女孩，上课认真，画画细心，画面有一定基础，希望你继续努力，让老师看到你更精彩的作品。
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幼儿美作业班主任评语
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11. 作画能力强，能不受约束，充分发挥想象，富有绘画激情， 充满着你智慧的光芒，继 上课认真，细心作画，若能更大胆些，效果更佳，相信你会继续努力，让老师欣赏到更精彩的作品。
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16. 画画大气，有进步，只是有时乱用记号笔不注意涂色而影响画面，相信你会努力的，认真画画，画出更美的作品。
17. 你是一个懂事的女孩，上课认真，画画细心，画面有一
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